"Touch of evil", Orson Welles(1958)

Para estar rodada en 1958, contar con un presupuesto de serie b, con una historia un poco mediocre como base, y unos diálogos tan solo "buenos", "Touch of evil" ("Sed de mal"), es una de las películas de cine negro más modernas de la historia. La obra terminó en manos de Welles casi por accidente. Un Chartlon Heston disconforme exigió que fuese dirigida por el maestro estadounidense o no interpretaría el papel principal, el honesto policía mejicano Vargas. Se ha planteado la duda de quien era realmente el protagonista, ya que el abultado tiempo en escena de Welles como el policía corrupto Quinlan, da lugar a una genial caracterización de un personaje rastrero, xenófobo, marcado por un pasado semioculto y que se tambalea a un lado y a otro de la ley para satisfacer sus propios intereses. Por otro lado, se nota la falta de presupuesto para un Welles que llevaba retirado 10 años, por eso la película recuerda escandalosamente a un estudio de Hollywood. Como amante de la música, creo que todo el mundo debería hacerle un hueco en su colección a la banda sonora de Henry Mancini, un mestizaje soberbio de rock and roll, jazz, pianola y música latina que encaja en la película como esa atmosfera de nocturnidad inseparable del cine negro. Otro factor clave en la película es la fotografía de Russel Metty, de ahí mi elección como imagen de entrada este juego de sombras imposible. Parece que la rejuvenecida y rebelde mano de Welles se combinó con la de Metty exclusivamente para ver nacer a "Touch of evil", que según Cahiers du cinema, es la mejor película de serie b de la historia. ¡Juzguen ustedes mismos!

"La leyenda del tiempo", Isaki Lacuesta(2006)

La leyenda del tiempo (1979) es uno de los discos más laureados de Camarón, dedicado a Federico García Lorca y donde el flamenco explora nuevas formas abriéndose a la fusión. Alrededor de la figura de este maestro, girán la historias de Isra y Makiko, dos personajes opuestos e iguales al mismo tiempo. Isra es un jovén cantaor gitano que no puede cantar porque ha de guardar luto por la muerte de su padre. Makiko es una enfermera de Tokyo que viaja a la isla gaditana de San Fernando para aprender a quejar su voz como la de Camarón. Esta contraposición se une en el sentimiento que expresan con lo que hacen. Ya sea el dolor por la ausencia de la figura paternal, como la imposibilidad de la japonesa por comunicar sus sentimientos ya que no consigue asimilar el cante. Isra y Makiko son dos personajes en busca de un cambio radical en sus vidas y lo expresan delante de su único nexo de unión, un marinero japonés confidente de ambos. Los diálogos entre los personajes principales son intrascendentes, sencillos, pero de una sinceridad desnuda. Son situaciones observadas desde la corta distancia, la suficiente para llegar a captar momentos realmente íntimos.

Tanto el disco como la película son obras paralelas, transcienden los límites de la música y el cine respectivamente. Centrándome en la película, la situo (por intentar guiaros un poco) en la onda dramática de No quarto da Vanda de Pedro Costa (2000) y la documental de Innisfree Jose Luis Guerín (1990), para acercarse a otra obra de este último, En construcción (2001). Hace unos años vi la ópera prima de Lacuesta, Cravan vs Cravan (2002), un documental en el que ya mostraba su singularidad a la hora de realizar cine, pero es en La leyenda del tiempo donde rompe todas las barreras de este género.

Rodada con solo dos cámaras y sin guión fijio, Isaki Lacuesta ha creado una referencia del cine español de nuestra década.

"Stranger than paradise", Jim Jarmusch (1984)

"Es gracioso, vas a un sitio nuevo y todo te parece igual"

Eva es una joven una húngara que llega a los Estados Unidos para instalarse en casa de su primo Willie, un chico de raíces pérdidas, malhumorado y cuyo mayor pasatiempo es apostar a los caballos con su colega Eddie. 3 personas que se dedican a pasar el tiempo; sin ninguna pretensión(en general) más allá de la propia secuencia.

Stranger than paradise es como un filtro de lo mundano. Innumerables planos secuencia de los personajes viendo la televisión, durmiendo o caminando forman la película. Hay quien tacha esta película de anodina por ello, pero no lo veo así. En los 89 minutos que dura la obra, se explora la sensibilidad de unos personajes muy definidos en un mundo frío, desertificado, donde todo lo que hagas parece no tener mayor sentido que el que alberga tu propia conciencia. No os toméis esto como una amenaza a vuestro entretenimiento, todo lo contrario, el desarrollo de los acontecimientos en forma de viaje a lo road movie y la peculiaridad de los personajes os darán lo que buscáis. A pesar de la carencia argumental, Eva será la que le dé un poco de sentido a todo.

Dentro de lo estético, Extraños en el paraíso esta rodada en b/n y la fotografía corre a cargo de Tomy Dicillo. La banda sonora es de Screamin' Jay Hawkins, uno de los personajes más histriónicos del rock y el soul a finales de los 50.

Aquí os dejo un trailer con la divertida escena de la "tv dinner", donde le explica que se llama así porque está hecha para comer viendo la tele, sin preocuparse de limpiar los platos:

Película de muy bajo presupuesto pero crucial en el cine independiente norteamericano de los 80. Cosechó bastantes exitos, siendo ganadora de la Cámara de oro en Cannes en 1984, el Leopardo de Oro en Locarno en el mismo año y el Premio especial del jurado en Sundance en 1985

"Christiane F: Wir kinder vom bahnhoof zoo", Ulrich Edel(1981)

Basada en el libro que lleva su nombre, la película de Ulrich Edel es una radiografía perfecta de una generación de jovénes sin ideales y adictos a la heroína a finales de los 70 en Berlín.

Christiane es una adolescente de 14 años de padres separados. Su fijación en una compañera de clase más desarrollada y que frencuenta la discoteca "Sound", motivan sus primeras escapadas nocturnas. Allí conoce a los que serán sus nuevos colegas y entre ellos a Detlev, su primer gran amor. Integrada en una pandilla de amigos que consumen drogas, Christiane se irá introduciendo poco a poco en este sórdido mundillo.

La increíble banda sonora es de David Bowie :)

"Bleu", Krzystof Kieslowski(1993)

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"Bleu" es la primera película de la trilogía "Trois Couleurs" de Kieslowski, seguida por "Blanc" y "Rouge". Basada en los colores de la bandera francesa que representan la libertad, igualdad y fraternidad; el director polaco desarrolla su obra con el fin de analizar estos principios sobre los que se pretendió construir la nueva sociedad francesa después de la revolución. Es evidente que la complejidad del individuo y de la sociedad a gran escala se escapa a cualquier pretensión de este tipo. En las dos próximas entradas estableceré algunos puntos de unión entre estas maravillas del séptimo arte. Hoy me ocuparé de lo que aquí concierne, "Bleu".

Julie(Juliette Brinoche); Patrice, su marido; y la hija de ambos sufren un aparatoso accidente de coche. Los dos últimos pierden la vida en él. Una vez consciente de los echos, Julie no tiene valor para suicidarse en un intento de romper con su pasado. Cuando decide vender la casa donde ella y su esposo criaron a su hija; Olivier, un compositor y amigo de Patrice, se cruza en su camino.

Visualmente es una obra maestra, la más lograda de las trilogía a mi parecer. Las imágenes fluyen totalmente acompasadas con la narración de la historia gracias a las elipsis, momentos carentes de diálogos que nos llevan a interpretar toda la carga significativa de lo que vemos. Por otro lado, los tonos azules de la fotografía de Slawomir Idziak forman una simbología presente allá donde Julie va(y que me recuerda un poco a la complejidad del cine de Tarkovsky): Los reflejos del agua en la piscina, refugio acuático que Julie usa para intentar no percibir el exterior; las piedras de la lámpara de lágrimas, como único lazo material que le une a su vida anterior; las imágenes del televisor que obnubilan a su madre, representando así la deshumanización provocada por los continuos avances tecnológicos; las ecografías de la amante secreta de Patrice, las cuales desvelan un pasado desconocido hasta el momento... pasado que aviva la conmovedora música de Zbigniew Preisner, hilo conductor de la película ya que actúa como único nexo indivisible entre Julie y Patrice. Del elenco de actores solo mencionaré a la protagonista, Juliette Brinoche, paradigma perfecto de una persona que ha perdido lo que más quería y que, a pesar del dolor, es incapaz de mostrar sus emociones hasta el final de la película.

León de Oro en Venecia del 1993

"Les amants du pont neuf", Leos Carax(1992)

Leos Carax culmina una obra muy original y con una gran variedad de escenas, capaces de haceros estremecer, dejaros boquiabiertos o incluso despertar algún sentimiento olvidado. Por ejemplo, la parte de esquí acuático sobre el sena en medio de los fuegos artificiales para el centenario de la república no tiene precio. La belleza de imágenes como esta contrasta claramente con la pobreza y la miseria de los protagonistas. Juliette Binoche interpreta a Michèle, una pintora que se echa a la calle debido a sus problemas amorosos y a una enfermedad que degenera su vista pulatinamente. Denis Lavant hace de Alex, un artista de circo fracasado por su afición al acohol y su adicción a los sedantes. Los dos se cruzan cuando Michèle encuentra a Alex tirado sobre el asfalto, inconsciente, después de que un coche le pasara por encima de las piernas a toda velocidad. A partir de ahí, la dependencia del uno con el otro no hará más que crecer.

"Yuke yuke nidome no shojo", Kôji Wakamatsu(1969)

"Go go second time virgin"

Película de culto japonesa. "Yuke yuke nidome no shojo" fue muy controvertida para su época ya que mostraba imágenes sangrientas, drogas, violación... La cinta fue rodada con un presupuesto mínimo(5000 $) en lo alto de un edificio, excepto algunas tomas en una playa. Me topé con ella de casualidad hace dos años y me cautivó. Roza los límites de la poesía visual gracias a un absorvente B/N con algunas secuencias en color maravillosas(la escena de la playa en tonos azules es increíble) y unos diálogos minimalistas. Injustamente valorada en mi opinión, Wakamatsu representa una forma distinta de hacer cine después del resacón de Kurosawa, Mizoguchi, Ozu, etc...

La historia se centra en la relación entre una chica que es violada por segunda vez y un chico que observa la escena desde la distancia. Cuando el sol se eleva por encima del edificio, la chica despierta en la misma posición en la que fue violada bajo la mirada tímida del chico. Entre ellos se forma un vínculo que gira en torno a la violencia, el sexo y la depresión por el mundo en el que les ha tocado vivir.

"Calle mayor", Juan Antonio Bardem(1956)

Un par de gandules acomodados están hartos de la rutina en una pequeña ciudad. Sus intereses no escapan de los bares, el billar, el cine y pasearse por la calle mayor. Para entretenerse unos días más, deciden gastarle una broma a una solterona con ansias de casarse. Uno de ellos deberá seducirla y engañarla al mismo tiempo.

Basada en la comedia "La señorita de Trévelez" de Carlos Arniches, fue llevada al cine con el mismo título en 1936, de la mano de Edgar Neville. 20 años más tarde, Bardem filma una versión menos fiel a la obra original y más personal, dando a luz uno de los clásicos del cine español.

Esta película refleja a la perfección esa España de provincias de "La tía Tula". Todo el mundo se conoce en esta pequeña ciudad. La calle mayor es el centro neurálgico, donde las miradas se reencuentran una y otra vez y las habladurías se propagan como las tormentas. Una comunidad donde existen unas aspiraciones prefijadas, y si no se cumplen, la rígida moral provinciana te pone contra la pared. Esto es la paradoja de la calle mayor, el espejo de nuestras ilusiones y de nuestros miedos.

Me gustó mucho el papel de Betsy Blair, que encarna a una ilusionada solterona llena de sueños. Por otro lado me pareció decepcionante el vacío sonoro del principio, donde la voz en off cobra protagonismo sobre el ambiente (supuestamente para que no se pudiera reconocer el pueblo donde se rodó la película y dejar quedar a sus hombres de golfos sin escrúpulos....)

"Entre tinieblas", Pedro Almodóvar (1983)

La peor pesadilla de Rouco Varela

Comedia tan excéntrica como divertida. Yolanda, una cantante de boleros adicta a las drogas, presencia la muerte de su novio debido a una sobredosis de heroína adulterada. Temerosa, decide refugiarse en el convento de las "Redentoras humilladas", regido por una madre superiora que conoció en su camerino. Una vez dentro, Yolanda descubre los vicios y secretos de unas monjas muy poco comunes.

La movida madrileña deja su huella en esta pequeña joya: drogas, sexo, ruptura con lo anterior, osadía... Si a esto le añades un guión mogollón de original y una esencia que evoca a John Waters, obtendrás esta maravilla. Sin duda, mis monja preferida es Chus Lampreave, quien interpreta a Sor Rata; aunque destaco también las interpretaciones de Marisa Paredes como Sor Estiercol y Carmen Maura como Sor Perdida. La película en sí está llena de provocaciones y críticas ácidas a la religión, no os la podéis perder.

Os dejo un vídeo desternillante sobre las clases de besos según Sor Rata y el tráiler:

"Festen", Thomas Vinterberg(1998)

"Celebración"

Una familia de clase alta organiza un banquete entre sus miembros para celebrar el aniversario del patriarca. Lo que empieza siendo una reunión familar de corte festivo, se convertirá en un aluvión de críticas y reproches de unos contra otros, secretos familiares por desvelar y una masa de tensión más que palpable en el aire. A la decadencia de la burguesía pocas veces le quedó tan bien un cine transgresor como el de esta película, la primera dentro del movimiento Dogma 95.

El guión de Thomas Vinterberg y Mogens Rukov es perfecto, con cambios inesperados que sientan como auténticas punzadas en el corazón. También destacan los actores, que consiguen transmitir el humor satírico de los diálogos. En cuanto a los pretextos del Dogma 95, cabe decir que le dan un aire más creíble y cercano al espectador, alejándose de otras obras maestras sobre el mismo tema como "El ángel exterminador" de Luis Buñuel.

Para los curiosos, el Dogma 95 se basa en:

1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).

2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).

3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.

4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).

5. Los trucajes y filtros están prohibidos.

6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).

7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).

8. Las películas de género no son válidas.

9. El formato de la película debe ser en 35 mm.

10. El director no debe aparecer en los créditos.

"Låt den rätte komma in", Tomas Alfredson(2008)

"Let the right one in"
"Déjame entrar"

Oskar, un niño introvertido y tímido, es el blanco perfecto para los típicos matones del colegio. Una noche, conoce a Eli en el parque nevado frente a su edificio, una niña que le escucha maldecir a través de la pared de su casa. En poco tiempo, se fragua una amistad especial entre ellos, lejos de tópicos infantiles pero tierna al mismo tiempo. Poco a poco, Oskar va conociendo la curiosa personalidad de Eli y sus extraños hábitos.

"Låt den rätte komma in" es una forma diferente de ver el cine de vampiros, llena de tristeza, personajes desubicados y soledad. La nieve es un elemento importantísimo dentro de la película. Se filtra en los ojos y en los pliegues de la ropa de los personajes, condicionándolos en todo momento, obligándoles a vivir encerrados entre cuatro paredes y marcar, de este modo, su forma de existir y relacionarse. También ayuda a una fotografía magnífica, rebosante de poesía visual no sólo en las escenas de Eli y Oskar, sino también en los paisajes gélidos del norte, algo más que simple hielo y nieve amontonados.

Aquí os dejo el trailer y otro vídeo de la peli:

"Detour", Edgar G. Ulmer(1945)

Un pianista decide reencontrarse con su novia y para ello debe atravesar el país. Una noche lluviosa hace autostop y un hombre se hace un lado del asfalto para recogerlo. Inesperadamente, el conductor muere.

No me gusta entrar en clasificaciones con películas de esta talla. Mucha gente la sitúa dentro de la serie B e incluso algunos en la serie Z (?) Olvidándonos de esas nimiedades, tenemos aquí una película rodada en 6 días, con un reparto escaso y con un presupuesto de 20.000 dólares. Un director con más pena que gloria forja en poco más de una hora una película ineteresantísima. Con todos los elementos del cine negro: Muerte, historia de amor, voz en off y una atmósfera intigrante llena de luces y sombras (marca de la casa), Ulmer nos conduce a un viaje fatídico en el cual, y, según el protagonista, Al Roberts: "El destino, o alguna fuerza misteriosa, puede señalarnos con un dedo a tí o a mí sin ninguna razón en concreto."

"El mundo sigue", Fernando Fernán-Gómez(1963)

Fernán-Gómez adapta la novela de Zunzunegui, la cual narra las desventuras de una familia por culpa de dos hermanas enfrentadas. Eloísa es una malcasada que añora su pasado de miss, además de aguantar a un marido alcohólico, despreocupado y jugador compulsivo de quinielas. Luisa es una buscona que se codea con hombres de caché gracias a su belleza. Las ansias de triunfo de una y de la otra serán la causa de ese odio mutuo.

Por otro lado, el director refleja a la sociedad de la España autoritaria y moralista del franquismo, representada en el padre, un militar de buen rango; y en el hermano, un exseminarista.

Un fracaso comercial en la época, una joya maldita.

"Ariel", Aki Kaurismäki(1988)

Cuando la vida es una mierda(suicidio, frío finlandés, trabajo basura...) que buenos son los pequeños detalles. Ariel.

"Mies vailla menneisyyttä", Aki Kaurismäki(2002)

"The Man Without A Past"

Tras ser apaleado por unos delincuentes, un hombre pierde su memoria. Sin identidad y desorientado en su nuevo mundo, el hombre encuentra su lugar en ambientes marginales llenos de personajes estrafalarios.

Como si de un Bresson moderno se tratara, Kaurismäki pone en escena a personajes muy sobrios, siendo imposible atisbar cualquier rastro de sobreactuación. De la misma forma responden los diálogos, parcos en palabras y en ocasiones absurdos. Es ese humor frío el que caracteriza su universo y el que os dejará un buen sabor de boca. Gran Premio del Jurado y Mejor Actriz para Kati Outinen en Cannes del 2002, aunque para mi gusto, me quedo con Markku Peltola, el protagonista.

"No quarto da Vanda", Pedro Costa(2000)

De vuelta a Fontainhas, Lisboa.

Retrato de la verdadera Vanda, una de las protagonistas de "Ossos". Rodada con una cámara digital, Costa abraza la intimidad de sus personajes para mostranos su vida tal y como es. Los largos planos retratan la degradación provocada por la droga, las condiciones insalubres en las que viven los vecinos y el pesimismo más desesperante. Todo ello mientras la excavadoras reducen a escombros el barrio.

Quizás, las 3 horas de película se podrían reducir a 2, ya que hay una infinidad de escenas que se repiten en el contenido. A pesar de ello, y para mí propio asombro, me ha entretenido y por eso he decidido colgarla.

"Bande à part", Jean Luc Godard(1964)

Arthur y Franz planean un golpe: Robar el dinero del tío de Odile, una compañera de clases de inglés.

Godard pone su estampa (una vez más) tan característica y moderna que serviría de impulso a la Nouvelle Vague francesa. Para mí, una ola que debería seguir removiendo el mar del cine de nuestro tiempo. Esta película, como otras de el, se sale de lo habitual: voces en off para explicar la mente de los personajes, fallos de raccord (la continuidad que forma una escena con la siguiente), críticas a Hollywood ("¿Cómo se dice película de 1 millón de dólares en inglés?"), el tono en plan comedia que tiene la obra, la no relación entre algunas escenas y la música de fondo (una banda sonora de jazz increíble)... por sólo enumerar unas cuantas.

Aquí os dejo dos escenas, el baile de la foto y la carrera por el Louvre.

"De noorderlingen", Alex Van Warmerdam(1992)

"Los norteños"

La película se desarrolla en un bloque de apartamentos que consta de una calle larga y arenosa y en la que solo hay una carnicería, una escuela, una parada de bus y un extrañísimo bosquecillo artificial. Este el marco en donde se desenvuelven los hechos de esta delirante comedia. Por un lado, tenemos a un elenco de personajes extravagantes: Un carnicero insatifecho sexualmente que, para colmo, ve como su mujer sufre una reconversión religiosa; un niño de 12 años que siempre lleva un atuendo propio del chamán de una tribu; un cartero fisgón que se dedica a husmear en la vida de los vecinos; la ninfa misteriosa del bosque... Por otro lado, está la imaginación del director para crear escenas surrealistas (algunas fuera de tono en mi opinión...) y momentos ensoñadores. Todo esto forma una comedia negra bastante original y entretenida que os hará pasar un buen rato.

"Ossos", Pedro Costa (1997)

"Nuno, el yonqui que interpreta el padre del bebé, le dijo a Pedro Costa que lo primero en lo que uno se fija de los pobres es en los huesos. También le dijo otra cosa: que no sabía si podría terminar la película porque se sentía más frágil que el bebé que llevaba en sus brazos"

Así se títula la obra que da a conocer a tres de los muchos yonquis que habitan en el barrio de Fontainhas, Lisboa. Rodada intecionadamente con pocos medios, "Ossos" es una película realista en el sentido más estricto de la palabra. Y no solo se basa en la economía de medios para dotar de crudeza a sus escenas, también en sus innumerables elipsis y en la escasez de diálogo. No hay otra historia aparte que contar, los personajes se conocen tanto como su día a día. Las miradas vacías que pueblan la pantalla están tan cargadas de pesimismo como una de las zonas más sordidas de la capital portuguesa. Esto es lo que se retrata en "Ossos": Yonquis que usan a su bebé como reclamo para mendigar dinero para drogas, ambientes marginales y un futuro totalmente cerrado a nuevas expectativas.

"Pauline à la plage", Éric Rohmer(1983)

"Pauline en la playa"

Ardores de verano

Rohmer se sirve del amor para poner a sus personajes en tela de juicio, hacer que se contradigan y ridiculicen. Ya lo advertía la famosa cita del principio: "Quien habla demasiado, cava su propia tumba".

La música queda en un segundo plano. El ruido del oleaje, la gente que disfruta de un placentero sol tumbada en la arena o practicando windsurf dan primacidad al ambiente. Los personajes recuerdan un poco a las películas de Bresson, parcos en gestos, sin sobreactuar y ni rastro de adquirir una evolución a lo largo de la película.

No os esperéis una obra maestra, simplemente es una película entretenida.

"Vacas", Julio Medem(1992)

Mi primera impresión al ver esta película fue la de toparme con un director totalmente original dentro del panorama estatal. Una forma distinta y amena de representar la ensoñación a través de una cámara. El abuelo que mira através de los ojos de las vacas, tan surrealista como algunos de sus cuadros; la competición de los aizkolaris (cortadores de troncos); las relaciones humanas en la frondosidad de los bosques vascos; la mirada crítica de la guerra... Y esa es la principal virtud del film, la marca de la casa.

"Vacas" trata sobre la relación de dos familias guipuzcoanas a lo largo de dos guerras y tres generaciones. La película comienza mostrándonos a un aizcolari superviviente de las guerras carlistas. Medio aturdido y con la cara embadurnada de sangre como disfraz, se escapa de la muerte tirándose de un carro de cadáveres. Mientras se arrastra desnudo por la tierra, oye el mítico "tolón" procedente de la campana de una vaca. Al levantar la cabeza se encuentra con la mirada extraña del animal, hecho que le marcará para el resto de su vida.

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"Môjû" ("Blind beast"), Masumura (1969)

Michio (Eiji Fukanoshi) es un escultor obsesionado con el cuerpo femenino. Su trabajo lo realiza en una nave llena de recreaciones anatómicas de la mujer esculpidas mediante el tacto. Por otro lado está su madre, la actriz Noriko Sengoku; y finalmente una modelo de fotografía erótica, Mako Midori. Michio y su madre secuestran a la modelo y la llevan hasta el taller del artista. Las tentativas de escape de la joven no dan su fruto, por lo que no le queda más remedio que posar para el artista.

La peli destaca por varias razones: Los decorados surrealistas de figuras gigantescas son increíbles (los personajes se mueven entre tetas, piernas, brazos o labios enormes por poner varios ejemplos), el comportamiento inocente de Michio y su obsesión creativa y pasional es de lo más extravagante que te puedes encontrar, el triángulo de relaciones hijo-madre-chica da lugar da lugar a momentos increíbles, y el vínculo sexo-violencia en qué deriva la película es realmemnte aterrador.

"Dare mo sinarai" ("Nobody knows"), kore-eda (2004)

Basada en hechos reales. Una madre y sus cuatro hijos conviven en un piso deTokyo. Ninguno de los críos tiene el mismo padre ni van a la escuela. Los vecinos sólo saben de la existencia del mayor, Akira, que es el protagonista de la película. Kyoko, Shigeru y Yuki están recluidos en el apartamento y tienen prohibido asomarse al balcón. La madre siempre regresa a casa a las tantas hasta que un día desaparece dejándoles una nota y un poco de dinero. Abandonados a su suerte, los cuatro se las arreglan para sobrevivir en su precario mundo.

Kore-eda se aleja de los clichés fáciles y muestra a los personajes como lo que son, niños. Incluso Akira, el que toma las riendas de la situación, añora vivir una infancia como los otros chavales de su edad. Kore-eda juega con eso y entrelaza la cruda realidad con la ternura de los más pequeños en 2 horas y pico de película. Muy recomendable.

Yûya Yagira ganó el premio al mejor actor en Cannes por el papel de Akira.

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"La tía Tula", Miguel Picazo (1964)

Adaptación de la novela de Miguel de Unamuno.

Retrato psicológico y social de la España franquista. Tula es el reflejo de un tipo de mujer que abundaba España de provincias. Su actitud rígida, moral religiosa y represión autoimpuesta no cuadran con la mentalidad de Ramiro, el ex-marido de su hermana fallecida que acoge en su casa y de mentalidad más abierta.

Brillante interpretación de Aurora Bautista en el papel de Tula.

No he podido insertar los vídeos ya que no estaban los códigos de ningúno de los vídeos disponibles en youtube, aun así, os dejo dos url:

Despedida de soltera

Escena del río

Un chant d'amour, Jean Genet (1950)

Una historia de amor homosexual en silencio y entre rejas. 25 min durá la única grabación que realizó Jean-Genet, controvertido escritor francés que refleja en esta obra el universo del que formó parte. El film, demasiado atrevido para la época, sufrió diversas censuras como era de esperar.

Aquí os dejo una pequeña muestra que econtré en youtube:

Tragedy in Waco (canal historia, 2006)

El líder espiritual David Koresh y su grupo de seguidores de la secta de los davidianos vivían en un rancho en el condado de Waco, Tejas. Debido a varias quejas vecinales producidas por el estruendo de sus prácticas de tiro, la policía decidió intervenir el arsenal. Lo que al principio fue un tiroteo con la policía, acabó convirtiéndose en un torbellino de noticias y comunicados a escala nacional. Os sorprenderán el fanatismo de los miembros de la secta y los métodos policiales, no os lo podéis perder!!!

Os dejo un pequeño video:

"Entre les murs", Laurent Cantent (2008)

"Entre les murs" muestra las diferentes realidades que forman el aula de un instituto en la Francia contemporánea. Problemas usuales como la inadaptación de los alumnos al sistema educativo, sus inquietudes como adolescentes, la brecha que existe entre la madurez de algunos respecto al infantilismo de otros, el desorden en las aulas o la utilidad de las enseñanzas son tratados desde el conflicto familiar, la diversidad racial y cultural, la inmigración o la exclusión social. El mediador entre estos elementos es un profesor dialogante y reflexivo que intenta mostrarse sincero ante sus alumnos.

Quiero destacar las interpretaciones, tanto la del profesor (escritor del libro en el que está basada la película) como la de los alumnos/as que, en mi opinión, dan vida a personajes 100% creíbles. Consiguen que la película sea una perfecta descripción del día a día en un instituto.

Recibió la Palma de Oro en Cannes ese mismo año.

"Fin août, début septembre", Olivier Assayas(1998)

"Finales de agosto, principios de septiembre"

Me estoy aficionando a las películas que muestran las relaciones humanas como base de la historia. Películas que presentan a unos personajes en el tránsito entre dos etapas, en este caso, el paso de la juventud con la asunción de encauzar la vida. Olivier lo ha captado bien. Hace una película sobre la vida misma en la que cada escena tiene un gran peso, es decir, vivencias aparentemente intranscendentales que en realidad importan más de lo que nos creemos. Y su principal baza es que construye una historia fuera de tópicos.

La película trata de un grupo de treintañeros intelectuales en medio de crisis profesionales, de pareja e incluso existenciales. Las expectativas de la juventud no se han visto del todo cumplidas y las relaciones entre ellos son desconcertantes.

Es sorprendente la credibilidad de los diálogos, escritos también por el director. La unión de estos con las buenas interpretaciones hace que los personajes aborden con madurez su día a día, reflejando una cotidaneidad transparente y natural.

Por último cabe destacar los primeros planos de los actores. En estas escenas, la cámara se mueve inquieta pero fluida al mismo tiempo, ayudando a transmitir la emoción del personaje. En mi opinión, creo que es la parte en la que más sobresale el trabajo de cámara. La escena de la novia de Adrien en el taxi, en la cual se enfoca el espejo central del coche para ver su rostro angustiado, sencillamente, es genial.

No he podido encontrar un video en versión original...

"4 luni, 3 saptamini si 2 zile", Cristian Mungiu(2007)

"4 meses, 3 semanas y 2 días"

El miedo a que todo salga mal.

Cine social -> Una vista atrás sobre lo que muchas mujeres sufrieron en una Rumanía dictatorial: la ilegalidad del aborto. En mi opinión, la clave de esta película está en el rol de los personajes. La empatía que transmite la protagonista hacia su amiga es tan dura y sufrible como la realidad de los hechos. Una vez más la mujer sufre doblemente: uno, el desamparo por parte del hombre; y dos, el peso de lo que acontece.

No os perdáis detalle de las escenas finales, de lo mejor que he visto este año.

Palma de oro en Cannes.

"Wendy & Lucy", Kelly Reidchart(2008)

Fui a ver esta película al cine tirado de la manga por mi hermano, quien siempre acaba convenciéndome para todo. Como es habitual, me comentó las buenas críticas mientras nos dirigíamos a la sala a toda mecha. Cuando comenzó la proyección tuve una buena corazonada.

La protanogista, Wendy, es una chica con un futuro no muy claro en Alaska, lugar a donde pretende llegar para empezar una nueva vida junto a su perra, Lucy. La avería de su coche en mitad del camino será el desencadenante de la historia.

Después de ver la peli, mi hermano y yo concordamos en que todo se resumía en Raymond Carver, mítico escritor norteamericano y maestro del relato breve:

1.- Una individuo salida de la nada en algún lugar de los Estados Unidos, con una vida desordenada en cuanto a relaciones personales y las cuentas bastante justas.

2.- Los diálogos entre los personajes son concisos y escuetos, abocando unos hechos aparentemente sencillos a una cruda y dura realidad.

3.- La constante sensación de amenaza, como si algo peor fuera a suceder. Aspecto crucial en todos sus relatos y conseguido gracias a una buena labor de dirección y fotografía. Las imágenes describen perfectamente el estado del personaje, sin necesidad de diálogo por medio.

Por último destacar el papel de Michelle Williams como Wendy, personaje que me ha enamorado.

Personalmente tengo a Raymond Carver en un pedestal, así que os recomiendo cualquiera de sus libros de relatos, en especial: "¿Quieres hacer el favor de callarte, por favor?"

"Nói Albínói", Dagur Kári(2002)

"Noi el albino"

"Islandia parece una isla escupida"

Nói es un joven albino que vive en un pueblo perdido de la gélida Islandia. Harto de una soledad y rutina que parecen no tener remedio, su sueño es escapar de la isla, espacio decisivo en la realización de esta obra.

"The power of nightmares", Adam Curtis(2004)

Trilogía documental que analiza el fundamentalismo islámico y el neo-conservadurismo americano desde sus orígenes, comparándolos y exponiendo su nefasta credibilidad.

Por una banda, nos muestra el fracaso del sueño norteamericano y como los neo-conservadores tratan de desviar la atención exagerando el radicalismo islámico y distorsionando la realidad.

Por otro lado, detalla como Sayed Kotb, un egipcio que vivió en Estados Unidos, regresa a su país con el convencimiento de que el individualismo americano, basado en el egoísmo y en la materialidad, no es adecuado para la corrupta sociedad de su país. Kotb cree que el Islam es la fuerza capaz de erradicar el materialismo infectado por occidente. Según esta idea, diversas personas y entre ellas Ayman Zawahiri, discípulo de Kotb y colega de Bin Laden, crean la Jihad Islámica.