La Meseta De Las Mil Imágenes

"Qing shao nian nuo zha", Tsai Ming-Liang (1992)

2011-09-21T15:07:00.000-07:00

"Los Rebeldes del Dios de Neón"

"Rebels of the Neon God"

El cine de Tsai Ming-Liang o lo amas o lo odias, pero nunca deja indiferente a nadie. He visto varias de sus películas, todas ellas muy peculiares y apasionantes en mi opinión, tan sobrias que algunos las tachan de lentas y aburridas. Este efecto soporífero quizás se deba a personajes cuyas vidas no difieren tanto de las nuestras, o talvez, a que el día a día en una metrópoli resulta demasiado aburrido y nada azaroso. Lejos de pretender emitir juicios de valor sobre el porqué de esta opinión, "Los Rebeldes del Dios de Neón" es un film sobre la cotidianeidad en su estado más puro, sin más adornos que una banda sonora compuesta por una melodía repetitiva. No obstante, creo que es la obra más accesible de cuantas he visto del taiwanés.

Como buen cinéfago me gusta trasladarme a la vida de los personajes, me parece más interesante que contemplar la de los mismos y a eso me remito cuando quiero ver una película. No me refiero solo al hecho de que me abstraiga y consiga introducirme en la piel de otra persona, sino a algo que va más allá. Tras un visionado de "Los Rebeldes del Dios de Neón", nos apetece ir a Taipei a comer arroz con palillos, recorrer en moto sus sombrías avenidas de infinitos neones o patinar en esas pistas similares a las de los coches de choque de toda la vida. Por otro lado, Tsai Ming-Liang no nos ofrece el típico panorama de una ciudad bulliciosa y mugrienta, su obra nos invita a la reflexión sobre una sociedad alineada al mismo tiempo que nos sobrecoge con la atmósfera que envuelve a los protagonistas.

El argumento se centra en 4 personajes. El principal es Hsaio, un joven estudiante que decide abandonar la escuela y recuperar el dinero que sus padres habían invertido en la matrícula sin que estos se enteren. Harto de vivir con ellos bajo el mismo techo, emplea el dinero conseguido para marcharse a Taipei y comenzar una nueva vida. Los siguientes en aparecer son Ah Tze y Ah Bing, dos ladronzuelos que viven un apartamento que se inunda cada dos por tres debido al mal funcionamiento de un desagüe. Y por último, se nos presenta a Ah Kuei, una chica enrollada con Ah Tze y que trabaja en una pista de patinaje.

Si habéis visto otras películas de este autor os habréis dado cuenta de que el agua es un tema recurrente en su filmografía. Taiwán es una isla en la que llueve muchísimo y Tsai Ming-Liang ha decido incorporar el líquido elemento en cada una de sus obras de diferente manera. El agua actúa siempre como un factor incontrolable, capaz de alterar el comportamiento de los personajes e incluso de llegar a desquiciarlos. De alguna forma, es como un personaje más de la película y cuya presencia resulta una amenaza para el resto. En "Los Rebeldes del Dios de Neón", el agua aparece una y otra vez, ya sea en forma de lluvias torrenciales o anegando completamente el piso de Ah Tze y Ah Bing. En alguna escena, hasta sirve como telón de fondo para reflejar la falta de comunicación entre los habitantes del apartamento, quienes se sienten abrumados por las circunstancias que los rodean.

Respecto a los personajes no tengo demasiado que comentar, me parecen muy buenos en sus papeles. Lee Kang-Sheng hace todo lo que se espera de él en su papel de Hsiao: un alma perdida en una metrópoli, sin identidad propia ni perspectivas de algún tipo. Los macarrillas Ah Tze y Ah Bing están bien interpretados por Chen Chao-Jung y Jen Chang-Bin respectivamente, aunque este último tiene algún que otro desliz en sus últimas escenas. Y por último, Yu-Wen Wang, que recrea muy bien a la inocente e inmadura Ah Kuei.

Banda sonora:

"Los viajes del tiempo", Ciro Guerra (2009)

2011-04-17T13:16:00.000-07:00

5 años tardó Ciro Guerra en rodar esta película, una obra cuya complejidad se puede apreciar durante el visionado. El recorrido que llevan a cabo los protagonistas no es para menos, 80 localizaciones en totalidad, un largo viaje por el Caribe colombiano donde se explorara la riqueza cultural del país. Cuatro son los idiomas que aparecen en pantalla: español, ika-arahuaco, bantú y wayuu. También se aprecia una labor de ambientación muy lograda sobre las raíces y la tradición del vallenato y de otros géneros folclóricos originarios de Colombia.

La historia trata sobre el viaje que emprende un juglar vallenato para entregar un legendario acordeón reliquia del diablo. La leyenda cuenta que un maleficio caerá sobre cualquiera que ose tocar ese instrumento, la única manera de romper tal embrujo es devolver dicho acordeón a su maestro. Durante su periplo, un joven muchacho se une al acordeonista con el fin de aprender a tocar el instrumento y descubrir el secreto de la música.

La esencia de la película es el viaje en sí mismo, el mito del héroe sobre el que se narran las aventuras de los protagonistas pero que al mismo tiempo sirve para documentar hechos reales como las piquerías (duelos) de acordeonistas, o para mostrar rincones ocultos de la Colombia profunda, llenos de belleza paisajística y de culturas hetereogéneas. Este film representa un giro de 180º en el panorama del cine colombiano: una huída de la tragedia de la drogas y la violencia y un intento de acercar el país a la gente. De hecho, en palabras de Ciro Guerra: "los colombianos son los únicos que tienen autoridad para entender la película".

Os dejo varios vídeos de youtube que espero que disfrutéis, el primero de todos es una canción bellísima llamada "Caballito ae"

"Spalovac mrtvol", Juraj Herz (1968)

2011-01-24T07:38:00.000-08:00

Todavía no he visto mucho cine de los 60 y 70 de Europa del este, pero poco a poco me voy aficionando a este tipo de películas, bastante curiosas por cierto y en este caso, muy intrigante. Como he descuidado bastante mi blog, me he decantado por este filme que acabo de ver hace un par de días. El "Incinerador de cadáveres", como se conoce en España, no es una obra común ni tampoco una cinta de terror propiamente dicho, en realidad, creo que esta etiqueta no es muy fiel a la obra. A los que tanto nos agrada encontrar rarezas de este calibre, hubiéramos deseado que la filmografía de Juraj Herz estuviese al alcance de todos para poder indagar un poco más en ella.

El Sr. Kopfrkingl, interpretado por un espléndido Rudolf Hrusinsky, es el dueño de un crematorio en la Praga de los años 30. Es una persona entrada en carnes que ni prueba gota de alcohol ni fuma, viste de forma elegante, posee una labia infinita y le fascina la relación muerte-cuerpo-espíritu, de hecho, cita en numerosas ocasiones el Libro Tibetano de los Muertos. Su mujer, sus dos hijos y él forman una familia perfecta que goza de una posición social acomodada. Su vida cambiará cuando un amigo simpatizante del régimen del Führer lo visita.

Lo que más me llamó la atención es la puesta en escena de Rudolf Hrusinsky, cuyos gestos, maneras y manías son totalmente acordes con el personaje que interpreta: una persona fría, de mente pérfida, obsesiva y lo suficientemente intelectual como para hipnotizar con su discurso a familiares, empleados y conocidos. Además, la sutileza con la que presenta la cremación de cadáveres es digna de un filósofo. Quizás sea ésta una de las pocas pegas que le veo a la película, por momentos, los monólogos del protagonista rebasan los niveles de intelectualidad para mi gusto. No obstante, rápido nos olvidamos de esto cuando observamos a un hombre que peina con delicadeza a los muertos antes de incinerarlos, con manías así se le perdona todo.

El apartado visual también da que hablar debido al enfoque experimental de la cinta, con imágenes deformadas, desenfoques, primeros planos del protagonista como eje central de la escena y una siniestra atmósfera en blanco y negro muy bien lograda. En la primera escena ya se puede ver uno de los tantos planos que pivotan de una lado a otro sobre un punto fijo, en este caso el del tigre enjaulado:

Un factor clave en la obra es que el director estuvo preso en un campo de refugiados nazi a los 10 años, cautiverio que se refleja en el trasfondo de la película: un alegato de odio total hacia los totalitarismos. De ahí que una de las bazas fuertes de la película sea el comportamiento obsesivo y demente del protagonista, conducta que se sirve a sí misma para descalificar esta ideología. Tan solo basta con echar un ojo a esta imagen:

Aquí os dejo el tráiler de la película:

"El fin del mundo", Alberto González Vázquez (2010)

2011-01-16T03:11:00.000-08:00

Un corto para desternillarse. Básicamente, intercala un mensaje tergiversado del presidente Reagan con un collage de animaciones e imágenes que anuncian una solución a una gran amenaza mundial.

"Xích lô", Tran Anh Hung (1995)

2010-07-15T00:52:00.000-07:00

"Cyclo"

Un joven recorre cada día en su "cyclo" (una especie de bicicleta-taxi) la agitada ciudad de Ho Chi Minh (antigua Saigón), Vietnam, para ayudar económicamente a su familia. Un día le roban su medio de subsistencia, obligándolo a buscarse la vida y pedir ayuda. La falta de medios le descubrirá cómo algo tan simple como el negocio de los "cyclos" esconde tras de si un mundo peligroso.

"Cyclo" es la primera película que veo del director vietnamita Tran Anh Hung, que ya ha ganado un adepto entre sus filas. No recuerdo muy bien el momento en el que descargue esta peli, ni la página que me llevo a ella, ni porqué lo hice... Pero al empezar a verla la sorpresa fue mayor!! Soy un apasionado de los filmes rodados en ambientes sórdidos y violentos, en los que la vida pende de un hilo si no ganas lo suficiente; con personajes que por momentos deliran y parecen atrapados en su propia confusión y con un estilo de hacer cine poco convencional.
León de Oro en Venecia.

Aquí os deja una escena con la canción "creep" de Radiohead.

"Duo luo tian shi", Wong Kar-Wai(1995)

2010-05-02T07:04:00.000-07:00

"Ángeles Caídos", "Fallen Angels"

"La noche está llena de tipos raros"

Hong Kong, una de las ciudades más masificadas del mundo y como todas, llena de personas aisladas, solitarios que buscan en la noche un nuevo giro a su vida. Personas que lloran por amor, que gastan su último centavo en los juegos de azar, que asesinan por encargo, que se sientan solas a comer en un McDonald's vacío... y la madrugada sólo es la excusa para refugiarse en antros u habitaciones de mala muerte. Una atmósfera donde las luces de neón iluminan más que los rincones oscuros por los que se mueven frenéticamente los personajes. Y detrás de ellos, está la ciudad en sí misma, una metrópoli vanguardista que se nos insinúa como el lugar perfecto perfecta para rodar esta cinta.

Una auténtica joya del cine underground.

"Sharasojyu", Naomi Kawase(2003)

2010-04-08T04:10:00.000-07:00

Un día de verano, dos hermanos gemelos echan una carrera por las callejuelas de su ciudad. Como si de magia se tratara, uno de ellos desaparece sin dejar rastro al doblar una esquina. La pérdida del adolescente sume a la familia en un profundo dolor, que lo intenta paliar volcándose de lleno en la preparación del festival de Shara.

Este sufrimiento es el hilo principal de la película. Cada miembro de la familia lo lleva de una forma personal, intentándolo asumir para aceptar que la vida continúa. El caso más curioso me parece el del hermano gemelo, que vuelve a visitar el lugar de la tragedia varias veces. Es una calle muy estrecha y larga, con una puerta al principio donde se detiene reiteradamente, como preguntándose si de verdad todo ocurrió en esa misma entrada, casi delante de sus narices.

Me gusta mucho la cámara en mano, su forma de registrarlo todo con ese leve bamboleo, porque parece que realmente hay un espectador furtivo en la escena. De hecho, al principio de la película cuando se exploran las habitaciones, canaletas, patios, ventanas y demás rincones de la casa, creía que realmente era una persona en búsqueda de esas inocentes voces de niños que se oían de fondo.

Quizás me han despistado un poco algunos rituales que se muestran en la peli, mi cultura sobre el folclore japonés es más que limitada... pero su papel en el film me ha causado una gran impresión. Son como un tira y afloja entre lo tradicional y lo moderno. Pese al dolor que provoca la pérdida de un ser querido, los familiares, en especial el padre y la madre, se aferran a estos actos de purificación ancestrales. En muchas escenas, se refleja que la vida moderna de la ciudad sigue su curso, pese a ir acompañadas de sonidos ceremoniales. Esta música, que solo es audible para el espectador, parece omnipresente en toda la familia y los habitantes de la ciudad.

Aquí os dejo un vídeo del festival de Shara!

"Grey Gardens"; Albert Maysles y David Maysles(1975)

2010-03-30T04:48:00.000-07:00

Cuando los hermanos Maysles se propusieron rodar un documental sobre Lee Redziwill, la hermana de Jacqueline Kennedy, se toparon con dos personajes muy extravagantes, la tía de esta última, Edith Bouvier, y su hija Edie. La excentricidad que rodea las vidas de madre e hija hicieron que los Maysles desestimaran su plan inicial.

Edith era una cantante célebre que fue desheredada y abandonada por su marido, mientras que Edie, dejó de lado sus aspiraciones en el mundo de la moda y de la danza para cuidar a su madre. Con los bolsillos bastante vacíos, sobrevivían en Gray Gradens, una defenestrada mansión de 28 habitaciones (prácticamente engullida por un abandonado jardín y hogar de numerosas zarigüeyas, mapaches y gatos) en East Hampton (Long Island, USA). En tal estado de decadencia estaba la casa que las autoridades de la localidad amenzaron a las Bouvier con desalojarlas si no la limpiaban. Completamente aisladas de la sociedad, solo recibían la visita de Jerry, un vecino bautizado por Edie como "El Fauno de mármol".

Este documental me recuerda al "Desencanto" de Jaime Chávarri, en el que la cámara se limitaba a grabar la vida cotidiana de los Panero, familia de varios poetas españoles, y los testimonios de sus recuerdos, lamentaciones y reproches mutuos. En este caso, los Maysles se hacen presentes en el documental. No les importa dejarse ver por la cámara, conversar con los personajes e incluso grabarse en el espejo del cuarto donde se desarrolla la escena.

En el 2009 se rodó un remake del documental con Jessica Lange y Drew Barrymore como protagonistas. También se ha estrenado un musical en Broadway con el mismo nombre -> web oficial del musical

"Mauvais sang", Leos Carax(1986)

2010-03-17T07:30:00.000-07:00

Alguien que se aventura a escribir un poco sobre cine, sea de la forma que sea (en mi caso de manera humilde) y que pretenda destripar el cine de un director aunque sea a grandes rasgos, debería de comenzar por ver sus películas cronológicamente. Con más razón todavía, si se descubre a ese director gracias a una película cualquiera de su filmografía y se convierte en interés personal.

Debido a la falta de tiempo por culpa de la uni, el placer vacuo que encuentro últimamente en la dejadez, el desinterés en investigar nuevas referencias y/o referentes culturales, y otras ocupaciones que suelen rondar por mi cabeza loca, me salto a la torera todo mi discurso anterior.

Esto no me impide desenmascarar lo que es de por sí evidente y lo que me atañe en estas líneas, que es el cine de Leos Carax. Solo he visto dos de sus films, este y Les amants du pont neuf(1992). Visto que la transgresión y el formato propio a la hora del rodaje se mantiene y se desarrolla entre estas obras, además de estar muy logrado, resulta fácil deducir que Leos Carax fue un renovador del cine francés. La resaca de la nueva ola francesa fue precisamente eso, una resaca cuyas bases de innovación cinematográfica caducaron ya en los 70.

En Mauvais sang nos topamos con un cine extremadamente rejuvenecedor, lleno de vitalidad a pesar de la historia sencilla que cuenta. El virus STBO, que se encuentra aislado en un laboraorio, mata a las personas que hacen el amor sin un sentimiento real. Marc y la Americana son dos enemigos que quieren robar el virus y para ello necesitan contratar a alguien experto con las manos, Alex(Denis Lavant). A partir de este esbozo, Carax traza un vínculo de relaciones personales como él solo sabe hacerlo, basadas en un profundo amor y en obsesiones desorbitadas.

Aparte, Carax tiene un talento único para confeccionar todo tipo de situaciones. Por ejemplo: el paso del Cometa Halley causa un fuerte calentamiento que quema los pies de Anna(Juliette Binoche), o como Alex se hace rehén de sí mismo apuntándose a la cabeza con un revólver. Son pequeñas cosas que en conjunto dan forma a un cine muy personal y atractivo. Por otro lado, en estas escenas también hay un hueco enorme para la experimentación visual, mención especial para la fotografía y el manejo de la cámara, a veces muy atrevidos y arriesgados: primeros planos de pies corriendo, una coreografía alocada de "Modern love" de David Bowie, cambios de color a blanco y negro...

Os dejo unos de los saltos de paracaídas más entrañables que he visto:

"Manji", Yasuzo Masumura(1964)

2010-03-07T01:58:00.000-08:00

Masumura pertenece a la segunda ola del cine japonés, un movimiento renovador después del cine más conservador de Ozu, Mizoguchi y Kurosawa. Junto a otros directores como Shohei Imamura, Kôji Wakamatsu, Masahiro Shinoda, Nagisa Oshima, Seijun Suzuki, Yoshishige Yoshida... Masumura intentaba vivir en el presente cinematográfico y adaptarse a las nuevas corrientes, de ahí que su cine fuese transgresor y necesario para mentes ávidas de nuevas tendencias en el celuloide.

"A Quentin Tarantino le interesa mostrar como un hombre corta la oreja a otro hombre, a David Lynch le interesa la oreja"

Esta frase me vino a la mente a la hora de ponerme a escribir esta entrada porque se puede aplicar al cine de Takeshi Miike y de Yasuzo Masumura. Los dos retratan obsesiones pero Miike se centra más en la violencia mientras que Masumura prefiere focalizar la escena en la pasiones desorbitadas de sus personajes, asumiendo la violencia como parte natural del proceso. En Môjû(Blind Beast), comentada en este blog, ocurre otro tanto de lo mismo.

Manji es un melodrama en el que una joven casada, Sonoko, aburrida de su vida de ama de casa decide inscribirse en unas clases de arte. Allí conoce a Mitsuko, mujer con la que mantendrá relaciones lésbicas. A este duo no tardarán en unirse el marido de Sonoko y el prometido de Mitsuko, dando lugar a una serie de triángulos amorosos y celos enfermizos. El amor, por veces sexual y por veces platónico, adquiere nuevos horizontes según transcurren los 90 minutos de la película. Nunca se llega al aburrimiento, ya que cada nivel representa un paso más hacia la obsesión fatal y el deterioro moral y físico.

El fantástico guión está escrito por Kaneto Shindo (autor de Onibaba, película que ya comentaré más adelante), en el que establece un contrapunto muy jugoso entre la cordura y la falta de razón, representados por el marido de Sonoko y esta, respectivamente. Esta dualidad que sirve como eje de equilibrio en el film, se va al garete poco a poco, absorbiéndonos en una espiral de pasiones, engaños y sexo.

"The King of the Kong", Seth Gordon(2007)

2010-02-11T00:51:00.000-08:00

Billy Mitchell ha mantenido intacto su record de la mítica recreativa Donkey Kong la friolera de 20 años. Además fue catalogado como el mejor jugador de recreativas de su época. Por otro lado, tenemos a un ejemplar padre de familia llamado Steve Wiebe que fue despedido de su trabajo como ingeniero. Apocado y sin saber qué hacer decide intentar batir el record de Billy, para ello, se pasa horas y horas delante de su recreativa de Donkey Kong en el garage familiar. Para batir el record la partida ha de ser grabada y enviada a Twin Galaxies, la compañía que contabiliza estos datos de forma oficial. Uno de sus jefes es Walter Day, árbitro de videojuegos.

El mérito de este documental es desarrollar y llevar a buen puerto una idea tan sencilla como original. Seth Gordon graba el día a día de cada uno de los personajes mostrándonos su personalidad, sus logros y su visión sobre la vida, las personas que los rodean, las fricadas que envuelven a este mundillo de los videojuegos clásicos, etc. Y consigue reunir todos los elementos principales de un mítico arcade: un villano poderoso que denosta y menosprecia a su rival, un héroe que aun no ha encontrado su lugar en el mundo, acción a raudales y una historia emotiva de por medio.

El elenco de personajes secundarios es brutal: un árbitro de videojuegos que arbitra partidas en directo(con movimientos físicos para marcar las faltas o trampas cometidas, como si fuera un árbitro de fútbol), friquis de los míticos arcade, una señora de 80 años que sustenta el record en otro arcade clásico...

En la fotografía podéis ver al árbitro de videojuegos mirando un partida de Steve.

"Touch of evil", Orson Welles(1958)

2009-12-05T02:33:00.000-08:00

Para estar rodada en 1958, contar con un presupuesto de serie b, con una historia un poco mediocre como base, y unos diálogos tan solo "buenos", "Touch of evil" ("Sed de mal"), es una de las películas de cine negro más modernas de la historia. La obra terminó en manos de Welles casi por accidente. Un Chartlon Heston disconforme exigió que fuese dirigida por el maestro estadounidense o no interpretaría el papel principal, el honesto policía mejicano Vargas. Se ha planteado la duda de quien era realmente el protagonista, ya que el abultado tiempo en escena de Welles como el policía corrupto Quinlan, da lugar a una genial caracterización de un personaje rastrero, xenófobo, marcado por un pasado semioculto y que se tambalea a un lado y a otro de la ley para satisfacer sus propios intereses. Por otro lado, se nota la falta de presupuesto para un Welles que llevaba retirado 10 años, por eso la película recuerda escandalosamente a un estudio de Hollywood. Como amante de la música, creo que todo el mundo debería hacerle un hueco en su colección a la banda sonora de Henry Mancini, un mestizaje soberbio de rock and roll, jazz, pianola y música latina que encaja en la película como esa atmosfera de nocturnidad inseparable del cine negro. Otro factor clave en la película es la fotografía de Russel Metty, de ahí mi elección como imagen de entrada este juego de sombras imposible. Parece que la rejuvenecida y rebelde mano de Welles se combinó con la de Metty exclusivamente para ver nacer a "Touch of evil", que según Cahiers du cinema, es la mejor película de serie b de la historia. ¡Juzguen ustedes mismos!

"La leyenda del tiempo", Isaki Lacuesta(2006)

2009-11-20T04:00:00.000-08:00

La leyenda del tiempo (1979) es uno de los discos más laureados de Camarón, dedicado a Federico García Lorca y donde el flamenco explora nuevas formas abriéndose a la fusión. Alrededor de la figura de este maestro, girán la historias de Isra y Makiko, dos personajes opuestos e iguales al mismo tiempo. Isra es un jovén cantaor gitano que no puede cantar porque ha de guardar luto por la muerte de su padre. Makiko es una enfermera de Tokyo que viaja a la isla gaditana de San Fernando para aprender a quejar su voz como la de Camarón. Esta contraposición se une en el sentimiento que expresan con lo que hacen. Ya sea el dolor por la ausencia de la figura paternal, como la imposibilidad de la japonesa por comunicar sus sentimientos ya que no consigue asimilar el cante. Isra y Makiko son dos personajes en busca de un cambio radical en sus vidas y lo expresan delante de su único nexo de unión, un marinero japonés confidente de ambos. Los diálogos entre los personajes principales son intrascendentes, sencillos, pero de una sinceridad desnuda. Son situaciones observadas desde la corta distancia, la suficiente para llegar a captar momentos realmente íntimos.

Tanto el disco como la película son obras paralelas, transcienden los límites de la música y el cine respectivamente. Centrándome en la película, la situo (por intentar guiaros un poco) en la onda dramática de No quarto da Vanda de Pedro Costa (2000) y la documental de Innisfree Jose Luis Guerín (1990), para acercarse a otra obra de este último, En construcción (2001). Hace unos años vi la ópera prima de Lacuesta, Cravan vs Cravan (2002), un documental en el que ya mostraba su singularidad a la hora de realizar cine, pero es en La leyenda del tiempo donde rompe todas las barreras de este género.

Rodada con solo dos cámaras y sin guión fijio, Isaki Lacuesta ha creado una referencia del cine español de nuestra década.

"Stranger than paradise", Jim Jarmusch (1984)

2009-11-07T00:14:00.000-08:00

"Es gracioso, vas a un sitio nuevo y todo te parece igual"

Eva es una joven una húngara que llega a los Estados Unidos para instalarse en casa de su primo Willie, un chico de raíces pérdidas, malhumorado y cuyo mayor pasatiempo es apostar a los caballos con su colega Eddie. 3 personas que se dedican a pasar el tiempo; sin ninguna pretensión(en general) más allá de la propia secuencia.

Stranger than paradise es como un filtro de lo mundano. Innumerables planos secuencia de los personajes viendo la televisión, durmiendo o caminando forman la película. Hay quien tacha esta película de anodina por ello, pero no lo veo así. En los 89 minutos que dura la obra, se explora la sensibilidad de unos personajes muy definidos en un mundo frío, desertificado, donde todo lo que hagas parece no tener mayor sentido que el que alberga tu propia conciencia. No os toméis esto como una amenaza a vuestro entretenimiento, todo lo contrario, el desarrollo de los acontecimientos en forma de viaje a lo road movie y la peculiaridad de los personajes os darán lo que buscáis. A pesar de la carencia argumental, Eva será la que le dé un poco de sentido a todo.

Dentro de lo estético, Extraños en el paraíso esta rodada en b/n y la fotografía corre a cargo de Tomy Dicillo. La banda sonora es de Screamin' Jay Hawkins, uno de los personajes más histriónicos del rock y el soul a finales de los 50.

Aquí os dejo un trailer con la divertida escena de la "tv dinner", donde le explica que se llama así porque está hecha para comer viendo la tele, sin preocuparse de limpiar los platos:

Película de muy bajo presupuesto pero crucial en el cine independiente norteamericano de los 80. Cosechó bastantes exitos, siendo ganadora de la Cámara de oro en Cannes en 1984, el Leopardo de Oro en Locarno en el mismo año y el Premio especial del jurado en Sundance en 1985

"Christiane F: Wir kinder vom bahnhoof zoo", Ulrich Edel(1981)

2009-11-02T15:59:00.000-08:00

Basada en el libro que lleva su nombre, la película de Ulrich Edel es una radiografía perfecta de una generación de jovénes sin ideales y adictos a la heroína a finales de los 70 en Berlín.

Christiane es una adolescente de 14 años de padres separados. Su fijación en una compañera de clase más desarrollada y que frencuenta la discoteca "Sound", motivan sus primeras escapadas nocturnas. Allí conoce a los que serán sus nuevos colegas y entre ellos a Detlev, su primer gran amor. Integrada en una pandilla de amigos que consumen drogas, Christiane se irá introduciendo poco a poco en este sórdido mundillo.

La increíble banda sonora es de David Bowie :)

"Bleu", Krzystof Kieslowski(1993)

2009-09-17T11:24:00.000-07:00

"Bleu" es la primera película de la trilogía "Trois Couleurs" de Kieslowski, seguida por "Blanc" y "Rouge". Basada en los colores de la bandera francesa que representan la libertad, igualdad y fraternidad; el director polaco desarrolla su obra con el fin de analizar estos principios sobre los que se pretendió construir la nueva sociedad francesa después de la revolución. Es evidente que la complejidad del individuo y de la sociedad a gran escala se escapa a cualquier pretensión de este tipo. En las dos próximas entradas estableceré algunos puntos de unión entre estas maravillas del séptimo arte. Hoy me ocuparé de lo que aquí concierne, "Bleu".

Julie(Juliette Brinoche); Patrice, su marido; y la hija de ambos sufren un aparatoso accidente de coche. Los dos últimos pierden la vida en él. Una vez consciente de los echos, Julie no tiene valor para suicidarse en un intento de romper con su pasado. Cuando decide vender la casa donde ella y su esposo criaron a su hija; Olivier, un compositor y amigo de Patrice, se cruza en su camino.

Visualmente es una obra maestra, la más lograda de las trilogía a mi parecer. Las imágenes fluyen totalmente acompasadas con la narración de la historia gracias a las elipsis, momentos carentes de diálogos que nos llevan a interpretar toda la carga significativa de lo que vemos. Por otro lado, los tonos azules de la fotografía de Slawomir Idziak forman una simbología presente allá donde Julie va(y que me recuerda un poco a la complejidad del cine de Tarkovsky): Los reflejos del agua en la piscina, refugio acuático que Julie usa para intentar no percibir el exterior; las piedras de la lámpara de lágrimas, como único lazo material que le une a su vida anterior; las imágenes del televisor que obnubilan a su madre, representando así la deshumanización provocada por los continuos avances tecnológicos; las ecografías de la amante secreta de Patrice, las cuales desvelan un pasado desconocido hasta el momento... pasado que aviva la conmovedora música de Zbigniew Preisner, hilo conductor de la película ya que actúa como único nexo indivisible entre Julie y Patrice. Del elenco de actores solo mencionaré a la protagonista, Juliette Brinoche, paradigma perfecto de una persona que ha perdido lo que más quería y que, a pesar del dolor, es incapaz de mostrar sus emociones hasta el final de la película.

León de Oro en Venecia del 1993

"Les amants du pont neuf", Leos Carax(1992)

2009-09-14T02:56:00.000-07:00

Leos Carax culmina una obra muy original y con una gran variedad de escenas, capaces de haceros estremecer, dejaros boquiabiertos o incluso despertar algún sentimiento olvidado. Por ejemplo, la parte de esquí acuático sobre el sena en medio de los fuegos artificiales para el centenario de la república no tiene precio. La belleza de imágenes como esta contrasta claramente con la pobreza y la miseria de los protagonistas. Juliette Binoche interpreta a Michèle, una pintora que se echa a la calle debido a sus problemas amorosos y a una enfermedad que degenera su vista pulatinamente. Denis Lavant hace de Alex, un artista de circo fracasado por su afición al acohol y su adicción a los sedantes. Los dos se cruzan cuando Michèle encuentra a Alex tirado sobre el asfalto, inconsciente, después de que un coche le pasara por encima de las piernas a toda velocidad. A partir de ahí, la dependencia del uno con el otro no hará más que crecer.

"Yuke yuke nidome no shojo", Kôji Wakamatsu(1969)

2009-09-08T00:29:00.000-07:00

"Go go second time virgin"

Película de culto japonesa. "Yuke yuke nidome no shojo" fue muy controvertida para su época ya que mostraba imágenes sangrientas, drogas, violación... La cinta fue rodada con un presupuesto mínimo(5000 $) en lo alto de un edificio, excepto algunas tomas en una playa. Me topé con ella de casualidad hace dos años y me cautivó. Roza los límites de la poesía visual gracias a un absorvente B/N con algunas secuencias en color maravillosas(la escena de la playa en tonos azules es increíble) y unos diálogos minimalistas. Injustamente valorada en mi opinión, Wakamatsu representa una forma distinta de hacer cine después del resacón de Kurosawa, Mizoguchi, Ozu, etc...

La historia se centra en la relación entre una chica que es violada por segunda vez y un chico que observa la escena desde la distancia. Cuando el sol se eleva por encima del edificio, la chica despierta en la misma posición en la que fue violada bajo la mirada tímida del chico. Entre ellos se forma un vínculo que gira en torno a la violencia, el sexo y la depresión por el mundo en el que les ha tocado vivir.

"Calle mayor", Juan Antonio Bardem(1956)

2009-08-29T08:49:00.000-07:00

Un par de gandules acomodados están hartos de la rutina en una pequeña ciudad. Sus intereses no escapan de los bares, el billar, el cine y pasearse por la calle mayor. Para entretenerse unos días más, deciden gastarle una broma a una solterona con ansias de casarse. Uno de ellos deberá seducirla y engañarla al mismo tiempo.

Basada en la comedia "La señorita de Trévelez" de Carlos Arniches, fue llevada al cine con el mismo título en 1936, de la mano de Edgar Neville. 20 años más tarde, Bardem filma una versión menos fiel a la obra original y más personal, dando a luz uno de los clásicos del cine español.

Esta película refleja a la perfección esa España de provincias de "La tía Tula". Todo el mundo se conoce en esta pequeña ciudad. La calle mayor es el centro neurálgico, donde las miradas se reencuentran una y otra vez y las habladurías se propagan como las tormentas. Una comunidad donde existen unas aspiraciones prefijadas, y si no se cumplen, la rígida moral provinciana te pone contra la pared. Esto es la paradoja de la calle mayor, el espejo de nuestras ilusiones y de nuestros miedos.

Me gustó mucho el papel de Betsy Blair, que encarna a una ilusionada solterona llena de sueños. Por otro lado me pareció decepcionante el vacío sonoro del principio, donde la voz en off cobra protagonismo sobre el ambiente (supuestamente para que no se pudiera reconocer el pueblo donde se rodó la película y dejar quedar a sus hombres de golfos sin escrúpulos....)

"Entre tinieblas", Pedro Almodóvar (1983)

2009-08-20T15:05:00.000-07:00

La peor pesadilla de Rouco Varela

Comedia tan excéntrica como divertida. Yolanda, una cantante de boleros adicta a las drogas, presencia la muerte de su novio debido a una sobredosis de heroína adulterada. Temerosa, decide refugiarse en el convento de las "Redentoras humilladas", regido por una madre superiora que conoció en su camerino. Una vez dentro, Yolanda descubre los vicios y secretos de unas monjas muy poco comunes.

La movida madrileña deja su huella en esta pequeña joya: drogas, sexo, ruptura con lo anterior, osadía... Si a esto le añades un guión mogollón de original y una esencia que evoca a John Waters, obtendrás esta maravilla. Sin duda, mis monja preferida es Chus Lampreave, quien interpreta a Sor Rata; aunque destaco también las interpretaciones de Marisa Paredes como Sor Estiercol y Carmen Maura como Sor Perdida. La película en sí está llena de provocaciones y críticas ácidas a la religión, no os la podéis perder.

Os dejo un vídeo desternillante sobre las clases de besos según Sor Rata y el tráiler:

"Festen", Thomas Vinterberg(1998)

2009-08-19T15:41:00.000-07:00

"Celebración"

Una familia de clase alta organiza un banquete entre sus miembros para celebrar el aniversario del patriarca. Lo que empieza siendo una reunión familar de corte festivo, se convertirá en un aluvión de críticas y reproches de unos contra otros, secretos familiares por desvelar y una masa de tensión más que palpable en el aire. A la decadencia de la burguesía pocas veces le quedó tan bien un cine transgresor como el de esta película, la primera dentro del movimiento Dogma 95.

El guión de Thomas Vinterberg y Mogens Rukov es perfecto, con cambios inesperados que sientan como auténticas punzadas en el corazón. También destacan los actores, que consiguen transmitir el humor satírico de los diálogos. En cuanto a los pretextos del Dogma 95, cabe decir que le dan un aire más creíble y cercano al espectador, alejándose de otras obras maestras sobre el mismo tema como "El ángel exterminador" de Luis Buñuel.

Para los curiosos, el Dogma 95 se basa en:

1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).

2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).

3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.

4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).

5. Los trucajes y filtros están prohibidos.

6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).

7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).

8. Las películas de género no son válidas.

9. El formato de la película debe ser en 35 mm.

10. El director no debe aparecer en los créditos.

"Låt den rätte komma in", Tomas Alfredson(2008)

2009-08-13T03:21:00.000-07:00

"Let the right one in"
"Déjame entrar"

Oskar, un niño introvertido y tímido, es el blanco perfecto para los típicos matones del colegio. Una noche, conoce a Eli en el parque nevado frente a su edificio, una niña que le escucha maldecir a través de la pared de su casa. En poco tiempo, se fragua una amistad especial entre ellos, lejos de tópicos infantiles pero tierna al mismo tiempo. Poco a poco, Oskar va conociendo la curiosa personalidad de Eli y sus extraños hábitos.

"Låt den rätte komma in" es una forma diferente de ver el cine de vampiros, llena de tristeza, personajes desubicados y soledad. La nieve es un elemento importantísimo dentro de la película. Se filtra en los ojos y en los pliegues de la ropa de los personajes, condicionándolos en todo momento, obligándoles a vivir encerrados entre cuatro paredes y marcar, de este modo, su forma de existir y relacionarse. También ayuda a una fotografía magnífica, rebosante de poesía visual no sólo en las escenas de Eli y Oskar, sino también en los paisajes gélidos del norte, algo más que simple hielo y nieve amontonados.

Aquí os dejo el trailer y otro vídeo de la peli:

"Detour", Edgar G. Ulmer(1945)

2009-08-07T10:14:00.000-07:00

Un pianista decide reencontrarse con su novia y para ello debe atravesar el país. Una noche lluviosa hace autostop y un hombre se hace un lado del asfalto para recogerlo. Inesperadamente, el conductor muere.

No me gusta entrar en clasificaciones con películas de esta talla. Mucha gente la sitúa dentro de la serie B e incluso algunos en la serie Z (?) Olvidándonos de esas nimiedades, tenemos aquí una película rodada en 6 días, con un reparto escaso y con un presupuesto de 20.000 dólares. Un director con más pena que gloria forja en poco más de una hora una película ineteresantísima. Con todos los elementos del cine negro: Muerte, historia de amor, voz en off y una atmósfera intigrante llena de luces y sombras (marca de la casa), Ulmer nos conduce a un viaje fatídico en el cual, y, según el protagonista, Al Roberts: "El destino, o alguna fuerza misteriosa, puede señalarnos con un dedo a tí o a mí sin ninguna razón en concreto."

"El mundo sigue", Fernando Fernán-Gómez(1963)

2009-08-05T15:28:00.000-07:00

Fernán-Gómez adapta la novela de Zunzunegui, la cual narra las desventuras de una familia por culpa de dos hermanas enfrentadas. Eloísa es una malcasada que añora su pasado de miss, además de aguantar a un marido alcohólico, despreocupado y jugador compulsivo de quinielas. Luisa es una buscona que se codea con hombres de caché gracias a su belleza. Las ansias de triunfo de una y de la otra serán la causa de ese odio mutuo.

Por otro lado, el director refleja a la sociedad de la España autoritaria y moralista del franquismo, representada en el padre, un militar de buen rango; y en el hermano, un exseminarista.

Un fracaso comercial en la época, una joya maldita.

"Ariel", Aki Kaurismäki(1988)

2009-08-01T04:55:00.000-07:00

Cuando la vida es una mierda(suicidio, frío finlandés, trabajo basura...) que buenos son los pequeños detalles. Ariel.

"Mies vailla menneisyyttä", Aki Kaurismäki(2002)

2009-07-30T15:43:00.000-07:00

"The Man Without A Past"

Tras ser apaleado por unos delincuentes, un hombre pierde su memoria. Sin identidad y desorientado en su nuevo mundo, el hombre encuentra su lugar en ambientes marginales llenos de personajes estrafalarios.

Como si de un Bresson moderno se tratara, Kaurismäki pone en escena a personajes muy sobrios, siendo imposible atisbar cualquier rastro de sobreactuación. De la misma forma responden los diálogos, parcos en palabras y en ocasiones absurdos. Es ese humor frío el que caracteriza su universo y el que os dejará un buen sabor de boca. Gran Premio del Jurado y Mejor Actriz para Kati Outinen en Cannes del 2002, aunque para mi gusto, me quedo con Markku Peltola, el protagonista.

"No quarto da Vanda", Pedro Costa(2000)

2009-07-25T06:47:00.000-07:00

De vuelta a Fontainhas, Lisboa.

Retrato de la verdadera Vanda, una de las protagonistas de "Ossos". Rodada con una cámara digital, Costa abraza la intimidad de sus personajes para mostranos su vida tal y como es. Los largos planos retratan la degradación provocada por la droga, las condiciones insalubres en las que viven los vecinos y el pesimismo más desesperante. Todo ello mientras la excavadoras reducen a escombros el barrio.

Quizás, las 3 horas de película se podrían reducir a 2, ya que hay una infinidad de escenas que se repiten en el contenido. A pesar de ello, y para mí propio asombro, me ha entretenido y por eso he decidido colgarla.

"Bande à part", Jean Luc Godard(1964)

2009-07-20T15:09:00.000-07:00

Arthur y Franz planean un golpe: Robar el dinero del tío de Odile, una compañera de clases de inglés.

Godard pone su estampa (una vez más) tan característica y moderna que serviría de impulso a la Nouvelle Vague francesa. Para mí, una ola que debería seguir removiendo el mar del cine de nuestro tiempo. Esta película, como otras de el, se sale de lo habitual: voces en off para explicar la mente de los personajes, fallos de raccord (la continuidad que forma una escena con la siguiente), críticas a Hollywood ("¿Cómo se dice película de 1 millón de dólares en inglés?"), el tono en plan comedia que tiene la obra, la no relación entre algunas escenas y la música de fondo (una banda sonora de jazz increíble)... por sólo enumerar unas cuantas.

Aquí os dejo dos escenas, el baile de la foto y la carrera por el Louvre.

"De noorderlingen", Alex Van Warmerdam(1992)

2009-07-13T03:02:00.000-07:00

"Los norteños"

La película se desarrolla en un bloque de apartamentos que consta de una calle larga y arenosa y en la que solo hay una carnicería, una escuela, una parada de bus y un extrañísimo bosquecillo artificial. Este el marco en donde se desenvuelven los hechos de esta delirante comedia. Por un lado, tenemos a un elenco de personajes extravagantes: Un carnicero insatifecho sexualmente que, para colmo, ve como su mujer sufre una reconversión religiosa; un niño de 12 años que siempre lleva un atuendo propio del chamán de una tribu; un cartero fisgón que se dedica a husmear en la vida de los vecinos; la ninfa misteriosa del bosque... Por otro lado, está la imaginación del director para crear escenas surrealistas (algunas fuera de tono en mi opinión...) y momentos ensoñadores. Todo esto forma una comedia negra bastante original y entretenida que os hará pasar un buen rato.

"Ossos", Pedro Costa (1997)

2009-07-12T15:43:00.000-07:00

"Nuno, el yonqui que interpreta el padre del bebé, le dijo a Pedro Costa que lo primero en lo que uno se fija de los pobres es en los huesos. También le dijo otra cosa: que no sabía si podría terminar la película porque se sentía más frágil que el bebé que llevaba en sus brazos"

Así se títula la obra que da a conocer a tres de los muchos yonquis que habitan en el barrio de Fontainhas, Lisboa. Rodada intecionadamente con pocos medios, "Ossos" es una película realista en el sentido más estricto de la palabra. Y no solo se basa en la economía de medios para dotar de crudeza a sus escenas, también en sus innumerables elipsis y en la escasez de diálogo. No hay otra historia aparte que contar, los personajes se conocen tanto como su día a día. Las miradas vacías que pueblan la pantalla están tan cargadas de pesimismo como una de las zonas más sordidas de la capital portuguesa. Esto es lo que se retrata en "Ossos": Yonquis que usan a su bebé como reclamo para mendigar dinero para drogas, ambientes marginales y un futuro totalmente cerrado a nuevas expectativas.

"Pauline à la plage", Éric Rohmer(1983)

2009-07-02T02:01:00.000-07:00

"Pauline en la playa"

Ardores de verano

Rohmer se sirve del amor para poner a sus personajes en tela de juicio, hacer que se contradigan y ridiculicen. Ya lo advertía la famosa cita del principio: "Quien habla demasiado, cava su propia tumba".

La música queda en un segundo plano. El ruido del oleaje, la gente que disfruta de un placentero sol tumbada en la arena o practicando windsurf dan primacidad al ambiente. Los personajes recuerdan un poco a las películas de Bresson, parcos en gestos, sin sobreactuar y ni rastro de adquirir una evolución a lo largo de la película.

No os esperéis una obra maestra, simplemente es una película entretenida.

"Vacas", Julio Medem(1992)

2009-06-20T06:00:00.000-07:00

Mi primera impresión al ver esta película fue la de toparme con un director totalmente original dentro del panorama estatal. Una forma distinta y amena de representar la ensoñación a través de una cámara. El abuelo que mira através de los ojos de las vacas, tan surrealista como algunos de sus cuadros; la competición de los aizkolaris (cortadores de troncos); las relaciones humanas en la frondosidad de los bosques vascos; la mirada crítica de la guerra... Y esa es la principal virtud del film, la marca de la casa.

"Vacas" trata sobre la relación de dos familias guipuzcoanas a lo largo de dos guerras y tres generaciones. La película comienza mostrándonos a un aizcolari superviviente de las guerras carlistas. Medio aturdido y con la cara embadurnada de sangre como disfraz, se escapa de la muerte tirándose de un carro de cadáveres. Mientras se arrastra desnudo por la tierra, oye el mítico "tolón" procedente de la campana de una vaca. Al levantar la cabeza se encuentra con la mirada extraña del animal, hecho que le marcará para el resto de su vida.

Emule Link VOdual esp-eusk

"Môjû" ("Blind beast"), Masumura (1969)

2009-06-06T12:36:00.000-07:00

Michio (Eiji Fukanoshi) es un escultor obsesionado con el cuerpo femenino. Su trabajo lo realiza en una nave llena de recreaciones anatómicas de la mujer esculpidas mediante el tacto. Por otro lado está su madre, la actriz Noriko Sengoku; y finalmente una modelo de fotografía erótica, Mako Midori. Michio y su madre secuestran a la modelo y la llevan hasta el taller del artista. Las tentativas de escape de la joven no dan su fruto, por lo que no le queda más remedio que posar para el artista.

La peli destaca por varias razones: Los decorados surrealistas de figuras gigantescas son increíbles (los personajes se mueven entre tetas, piernas, brazos o labios enormes por poner varios ejemplos), el comportamiento inocente de Michio y su obsesión creativa y pasional es de lo más extravagante que te puedes encontrar, el triángulo de relaciones hijo-madre-chica da lugar da lugar a momentos increíbles, y el vínculo sexo-violencia en qué deriva la película es realmemnte aterrador.

"Dare mo sinarai" ("Nobody knows"), kore-eda (2004)

2009-06-06T01:06:00.000-07:00

Basada en hechos reales. Una madre y sus cuatro hijos conviven en un piso deTokyo. Ninguno de los críos tiene el mismo padre ni van a la escuela. Los vecinos sólo saben de la existencia del mayor, Akira, que es el protagonista de la película. Kyoko, Shigeru y Yuki están recluidos en el apartamento y tienen prohibido asomarse al balcón. La madre siempre regresa a casa a las tantas hasta que un día desaparece dejándoles una nota y un poco de dinero. Abandonados a su suerte, los cuatro se las arreglan para sobrevivir en su precario mundo.

Kore-eda se aleja de los clichés fáciles y muestra a los personajes como lo que son, niños. Incluso Akira, el que toma las riendas de la situación, añora vivir una infancia como los otros chavales de su edad. Kore-eda juega con eso y entrelaza la cruda realidad con la ternura de los más pequeños en 2 horas y pico de película. Muy recomendable.

Yûya Yagira ganó el premio al mejor actor en Cannes por el papel de Akira.

Emule Link cd2 VO
Subtítulos descarga directa

"La tía Tula", Miguel Picazo (1964)

2009-06-05T10:23:00.000-07:00

Adaptación de la novela de Miguel de Unamuno.

Retrato psicológico y social de la España franquista. Tula es el reflejo de un tipo de mujer que abundaba España de provincias. Su actitud rígida, moral religiosa y represión autoimpuesta no cuadran con la mentalidad de Ramiro, el ex-marido de su hermana fallecida que acoge en su casa y de mentalidad más abierta.

Brillante interpretación de Aurora Bautista en el papel de Tula.

No he podido insertar los vídeos ya que no estaban los códigos de ningúno de los vídeos disponibles en youtube, aun así, os dejo dos url:

Despedida de soltera

Escena del río

Un chant d'amour, Jean Genet (1950)

2009-06-05T05:28:00.000-07:00

Una historia de amor homosexual en silencio y entre rejas. 25 min durá la única grabación que realizó Jean-Genet, controvertido escritor francés que refleja en esta obra el universo del que formó parte. El film, demasiado atrevido para la época, sufrió diversas censuras como era de esperar.

Aquí os dejo una pequeña muestra que econtré en youtube:

Tragedy in Waco (canal historia, 2006)

2009-06-04T15:57:00.000-07:00

El líder espiritual David Koresh y su grupo de seguidores de la secta de los davidianos vivían en un rancho en el condado de Waco, Tejas. Debido a varias quejas vecinales producidas por el estruendo de sus prácticas de tiro, la policía decidió intervenir el arsenal. Lo que al principio fue un tiroteo con la policía, acabó convirtiéndose en un torbellino de noticias y comunicados a escala nacional. Os sorprenderán el fanatismo de los miembros de la secta y los métodos policiales, no os lo podéis perder!!!

Os dejo un pequeño video:

"Entre les murs", Laurent Cantent (2008)

2009-05-01T14:12:00.000-07:00

"Entre les murs" muestra las diferentes realidades que forman el aula de un instituto en la Francia contemporánea. Problemas usuales como la inadaptación de los alumnos al sistema educativo, sus inquietudes como adolescentes, la brecha que existe entre la madurez de algunos respecto al infantilismo de otros, el desorden en las aulas o la utilidad de las enseñanzas son tratados desde el conflicto familiar, la diversidad racial y cultural, la inmigración o la exclusión social. El mediador entre estos elementos es un profesor dialogante y reflexivo que intenta mostrarse sincero ante sus alumnos.

Quiero destacar las interpretaciones, tanto la del profesor (escritor del libro en el que está basada la película) como la de los alumnos/as que, en mi opinión, dan vida a personajes 100% creíbles. Consiguen que la película sea una perfecta descripción del día a día en un instituto.

Recibió la Palma de Oro en Cannes ese mismo año.

"Fin août, début septembre", Olivier Assayas(1998)

2009-04-16T08:18:00.001-07:00

"Finales de agosto, principios de septiembre"

Me estoy aficionando a las películas que muestran las relaciones humanas como base de la historia. Películas que presentan a unos personajes en el tránsito entre dos etapas, en este caso, el paso de la juventud con la asunción de encauzar la vida. Olivier lo ha captado bien. Hace una película sobre la vida misma en la que cada escena tiene un gran peso, es decir, vivencias aparentemente intranscendentales que en realidad importan más de lo que nos creemos. Y su principal baza es que construye una historia fuera de tópicos.

La película trata de un grupo de treintañeros intelectuales en medio de crisis profesionales, de pareja e incluso existenciales. Las expectativas de la juventud no se han visto del todo cumplidas y las relaciones entre ellos son desconcertantes.

Es sorprendente la credibilidad de los diálogos, escritos también por el director. La unión de estos con las buenas interpretaciones hace que los personajes aborden con madurez su día a día, reflejando una cotidaneidad transparente y natural.

Por último cabe destacar los primeros planos de los actores. En estas escenas, la cámara se mueve inquieta pero fluida al mismo tiempo, ayudando a transmitir la emoción del personaje. En mi opinión, creo que es la parte en la que más sobresale el trabajo de cámara. La escena de la novia de Adrien en el taxi, en la cual se enfoca el espejo central del coche para ver su rostro angustiado, sencillamente, es genial.

No he podido encontrar un video en versión original...

"4 luni, 3 saptamini si 2 zile", Cristian Mungiu(2007)

2009-03-23T14:49:00.000-07:00

"4 meses, 3 semanas y 2 días"

El miedo a que todo salga mal.

Cine social -> Una vista atrás sobre lo que muchas mujeres sufrieron en una Rumanía dictatorial: la ilegalidad del aborto. En mi opinión, la clave de esta película está en el rol de los personajes. La empatía que transmite la protagonista hacia su amiga es tan dura y sufrible como la realidad de los hechos. Una vez más la mujer sufre doblemente: uno, el desamparo por parte del hombre; y dos, el peso de lo que acontece.

No os perdáis detalle de las escenas finales, de lo mejor que he visto este año.

Palma de oro en Cannes.

"Wendy & Lucy", Kelly Reidchart(2008)

2009-03-14T02:50:00.000-07:00

Fui a ver esta película al cine tirado de la manga por mi hermano, quien siempre acaba convenciéndome para todo. Como es habitual, me comentó las buenas críticas mientras nos dirigíamos a la sala a toda mecha. Cuando comenzó la proyección tuve una buena corazonada.

La protanogista, Wendy, es una chica con un futuro no muy claro en Alaska, lugar a donde pretende llegar para empezar una nueva vida junto a su perra, Lucy. La avería de su coche en mitad del camino será el desencadenante de la historia.

Después de ver la peli, mi hermano y yo concordamos en que todo se resumía en Raymond Carver, mítico escritor norteamericano y maestro del relato breve:

1.- Una individuo salida de la nada en algún lugar de los Estados Unidos, con una vida desordenada en cuanto a relaciones personales y las cuentas bastante justas.

2.- Los diálogos entre los personajes son concisos y escuetos, abocando unos hechos aparentemente sencillos a una cruda y dura realidad.

3.- La constante sensación de amenaza, como si algo peor fuera a suceder. Aspecto crucial en todos sus relatos y conseguido gracias a una buena labor de dirección y fotografía. Las imágenes describen perfectamente el estado del personaje, sin necesidad de diálogo por medio.

Por último destacar el papel de Michelle Williams como Wendy, personaje que me ha enamorado.

Personalmente tengo a Raymond Carver en un pedestal, así que os recomiendo cualquiera de sus libros de relatos, en especial: "¿Quieres hacer el favor de callarte, por favor?"

"Nói Albínói", Dagur Kári(2002)

2009-03-07T23:41:00.000-08:00

"Noi el albino"

"Islandia parece una isla escupida"

Nói es un joven albino que vive en un pueblo perdido de la gélida Islandia. Harto de una soledad y rutina que parecen no tener remedio, su sueño es escapar de la isla, espacio decisivo en la realización de esta obra.

"The power of nightmares", Adam Curtis(2004)

2009-01-28T06:44:00.000-08:00

Trilogía documental que analiza el fundamentalismo islámico y el neo-conservadurismo americano desde sus orígenes, comparándolos y exponiendo su nefasta credibilidad.

Por una banda, nos muestra el fracaso del sueño norteamericano y como los neo-conservadores tratan de desviar la atención exagerando el radicalismo islámico y distorsionando la realidad.

Por otro lado, detalla como Sayed Kotb, un egipcio que vivió en Estados Unidos, regresa a su país con el convencimiento de que el individualismo americano, basado en el egoísmo y en la materialidad, no es adecuado para la corrupta sociedad de su país. Kotb cree que el Islam es la fuerza capaz de erradicar el materialismo infectado por occidente. Según esta idea, diversas personas y entre ellas Ayman Zawahiri, discípulo de Kotb y colega de Bin Laden, crean la Jihad Islámica.

"Hiroshima mon amour", Alain Resnais(1959)

2008-12-27T12:59:00.000-08:00

"Hiroshima mon amour" es el primer largometraje de Alain Resnais, un aclamadísimo debut y obra clave en el nacimiento de la Nouvelle Vague. Por otro lado el interesante guión está escrito por Margarite Duras, una de las impulsoras de la Nouveau Roman.

La película trata sobre un romance apasionado entre un japonés y una francesa en Hiroshima. Su efímera relación provoca que ella rememore un amor imposible con un militar alemán durante la 2º Guerra Mundial; y que el exprese su pesar por la tragedia que tuvo lugar en la susodicha ciudad.

Esta es una película un tanto difícil de ver debido al significado metafórico y alusivo de sus secuencias. Si no se comprende el porqué de cada escena, se podría llegar en pensar en una simple belleza visual y un atracón intelectualoide. En mi opinión creo que no hay nada desechable en la película: las reconstrucciones del pasado, la conexión existente entre los personajes durante las escenas de amor, la desnudez de sus secretos ... Y lo más importante: una historia desgarradora y lastimosa relatada mediante un lirismo único, algo que hecho en falta en el cine actual.

Poesía visual en estado puro.

"¿Quién puede matar a un niño?", Narciso (Chicho) Ibánez Serrador(1976)

2008-12-12T10:22:00.000-08:00

Una pareja inglesa decide pasar sus vacaciones en Almanzora (lugar de ficción), una pequeña isla del mediterráneo español. Tras su llegada al pueblo insular, la ausencia de vida adulta llama su atención: ni un alma de más de 10 años camina por allí excepto ellos.

Interesante película de terror, aunque sea inevitable la idea de remisión al clásico de Wolf Rilla, "The village of the damned" (1969). Resulta muy vistoso el comienzo de los créditos: una sucesión de imágenes que muestran como los conflictos bélicos afectan a los niños (Holocausto Nazi, Biafra, Corea...). A medida que las secuencias se van sucediendo y comienzas a desenmarañar la trama de la obra, percibes el acierto de este inusual comienzo y, además, el talento de este buen director.

Quizás el tema de los niños sea un poco recurrente, incluso para aquella época, pero me atrevo a afirmar que, muy pocos o incluso nadie, han logrado transmitir las intenciones maléficas depositadas en la dulce sonrisa de un crío como Chicho. Siguiendo en la línea de cine de suspense atípico de la anterior entrada, esta película se caracteriza, precisamente, por no acogerse a los tópicos del tenebrismo: el sol centellea intensamente en Almanzora, la vista hacia el Mediterráneo es idílica; no hay cementerios, ni niebla, ni luna llena...

Para los amantes del suspense, terror psicológico, misterio...

Curiosidades: Chicho fue el realizador del mítico programa de televisión "Un, dos, tres... Responda otra vez".

Aquí os dejo algunas de las espeluznantes secuencias...

"Picnic at Hanging Rock", Peter Weir(1975)

2008-10-26T04:17:00.000-07:00

Etérea hasta decir basta, "Picnic at Hanging Rock" nos sumerge en un mundo hecho para dejarse llevar por cada una de sus secuencias, donde la estupenda fotografía y la atmosférica banda sonora nos mantienen alerta durante los 110 minutos que dura la película. Incluso cuando no sucede nada, su recreación de un espacio tan inquietante, fantástico y lleno de intriga condena nuestros sentidos al más estricto cautiverio.

Un punto bastante innovador de la película, es que la temática cuaja en un mismo cazo el misterio, el drama y el suspense de forma inusual, con una luminosidad, naturalidad y antitenebrismo sobrecogedoress.

La película está basado en hechos reales y es una adaptación del libro de John Lindsay. El día de San Valentín de 1900 en Australia, un grupo de niñas sale de excursión con la escuela para hacer un picnic en Hanging Rock. Lo que les suceda allí quedará en el inconsciente colectivo de una población como una marca indeleble al paso del tiempo.

"Bilbao", Bigas Luna(1978)

2008-10-10T13:36:00.000-07:00

Escrita y dirigida por Bigas Luna, "Bilbao" supuso una ruptura con el cine costumbrista español tan fecundo durante el franquismo. Ambientada en Barcelona, esta rareza retrata a Leo(magnífico Angel Jové), un compulsivo psicópata que sueña con poseer a Bilbao(Isabel Pisano), una bailarina de streptease que además ejerce la prostitución. Sustentado por sus tíos, Leo vive con una de ellos, una mujer mayor con la que mantiene una relación fetichista.

El perturbador monólogo en primera persona (voz en off), la fotografía sórdida y desgastada y la infinidad de primeros planos que se van sucediendo uno tras otro, nos muestran el enfermizo estado mental del oscuro protagonista de forma brillante. Sin duda, una de mis películas favoritas dentro del panorama nacional.

Increíble banda sonora: Kurt Weill, Iceberg(grupo barcelonés de rock progresivo) y Donna Summer(mítico tema "I feel love" en colaboración con Giorgio Moroder).

"Saló o le 120 Giornate di Sodoma", Pasolini(1975)

2008-08-12T01:53:00.000-07:00

"Salo o los 120 Días de Sodoma"

Basada en la novela del Marqués de Sade con el mismo título, trata sobre las vejaciones y humillaciones que las cuatro personas más poderosas del país en compañía de prostitutas y policías causan a un grupo de jovenes dentro de un castillo. Dentro del castillo hay una serie de normas, por citaros tan sólo una, está prohibida cualquier manifestación religiosa. Sexo, coprofagia y violencia se cuajan de tal forma que puede asustar a más de uno.

Por mucha barbaridad que parezca la película, sería infantil no mirarla con unos ojos críticos y una actitud racional, aunque esté sujeta a la polémica. Es obvio que Pasolini quiso reflejar el lado más "siniestro" del ser humano desde una posición de poder reflejada en los cuatro governantes(político, religioso, económico y judicial); enlazando cualquier motivo de la peli con un abuso de poder hacia las clases más desfavorecidas(jóvenes cautivos).

Notas:

La película fue perseguida judicialmente para prohibir su estreno en las salas de cine

Pasolini murió asesinado poco después de acabar la película

"Crumb", Terry Zwigoff(1994)

2008-08-10T04:34:00.000-07:00

"Si no dibujo un rato me vuelvo loco, me siento suicida y depresivo si no dibujo. Aunque a veces también me pasa cuando dibujo"

Divertidísimo documental sobre Robert Crumb, considerado por muchos el padre del comic "underground". Aparte de contarnos su visión sobre el comic, su vida de adolescente marginado y otras trivialidades, el documental nos muestra a la desquiciada familia Crumb, dos hermanos y una madre que parece que se escaparon de una peli de terror de serie b. Lástima que no encontrara videos de ellos en el youtube.

Hace unos años leí "El capitán salió a comer y los marineros tomaron el barco" de Bukowski. Por aquel entonces no tenía ni idea de quién era Robert Crumb y suyas son las viñetas del libro.

"Hundstage", Ulrich Seidl(2003)

2008-08-08T01:39:00.000-07:00

"Día de perros"
"Canícula"

"Hundstage" retrata las vidas paralelas de varias personas: una maníaca que hace autostop, una pareja divorciada viviendo bajo el mismo techo, una persona obsesiva con su coche y con su novia.... todo esto bajo un sol abrasador capaz de derretir el asfalto. Historias de desamor, de soledad, de violencia, de sexo... son parte de la rutina diaria de unas personas tan vulnerables como cualquiera de nosotros.

"Le Mamain et le Putain", Jean Eustache(1973)

2008-08-05T13:45:00.000-07:00

"La Mamá y la Puta"

Broche final para el movimiento cinematográfico de la "Nouevelle Vague", "Le Mamain et le Putain" es una de mis películas favoritas desde los 19 años. Pese a su larga duración y consecuente riesgo de caer en la monotonía, todas las piezas del puzzle encajan a la perfección en este largometraje tan desconocido, destacando las naturalidad de las actuaciones y unos primeros planos geniales.

Jean-Pierre Leaud (el niño de "Los 400 Golpes" de Truffaut) interpreta a un joven bohemio que deja a su novia (ya entrada en edad y que lo mantiene) por una joven enfermera que se acuesta con todos. La película gira entorno a las relaciones que mantienen cada uno de los vértices del triángulo.

Notas:
-Jean Eustache se suicidó 8 años después.
-Si alguien tiene el magnífico disco "#3" de Diabologum, podrá escuchar un diálogo de Françoise Lebrun en una canción con el mismo nombre que la película.

"Katzelmacher", Fassbinder(1969)

2008-08-05T06:28:00.000-07:00

Vidas monotonas y aburridas, ausencia de acción, prácticamente ausencia de música... ¿qué es lo que me lleva a recomendar esta película? La situación cómica que se traen los personajes con el extranjero, actuaciones realistas, buenos diálogos y una manera única de hacer cine: Fassbinder.

Fijaos en las miradas de los personajes, en la mayor parte de la película casi ni se dirigen a los ojos.

"Sedmikrasky", Vera Chytilová(1967)

2008-08-04T04:54:00.000-07:00

"Las margaritas"
"Daisies"

Cómica y surrealista, "Sedmikrasky" es una película bastante piscodélica, con un argumento basado en dos jóvenes que pasan de las reglas sociales y se mofan de los hombres para comer gratis. La comicidad del guión está muy bien lograda, sin llegar a la obviedad de quien busca la risa fácil.

"Dead Ringers", David Cronenberg(1988)

2008-08-04T04:17:00.000-07:00

"Inseparables"

Más psicológica que carnal, David Cronenberg se aleja de la estela visceral predominante en sus películas anteriores.

Los gemelos Mantle son dos prestigiosos doctores especializados en fertilidad femenina. Ellos lo comparten todo: las mujeres, el trabajo, el piso... hasta que se enamoran de una nueva paciente y comienzan a surgir los problemas.

Un clásico.

"Zazie dans le metro", Louis Malle(1959)

2008-08-03T05:58:00.000-07:00

El caótico mundo de los adultos según los ojos de una niña de 12 años.

"Gummo", Harmony Korine(1997)

2008-07-08T14:58:00.000-07:00

"Gummo" es la primera película del guionista de la conocida "Kids" de Larry Clark. Este film cuenta con secuencias bastante experimentales e inusuales en el cine corriente, mezclando la ficción y el documental de una forma inquietante. Por otro lado, retrata los típicos personajes que suelen aparecer en sus películas: marginados, estúpidos, minusválidos, perdedores.....Gummo os proporcionará un entretenimiento más que asegurado.