"The King of the Kong", Seth Gordon(2007)

Billy Mitchell ha mantenido intacto su record de la mítica recreativa Donkey Kong la friolera de 20 años. Además fue catalogado como el mejor jugador de recreativas de su época. Por otro lado, tenemos a un ejemplar padre de familia llamado Steve Wiebe que fue despedido de su trabajo como ingeniero. Apocado y sin saber qué hacer decide intentar batir el record de Billy, para ello, se pasa horas y horas delante de su recreativa de Donkey Kong en el garage familiar. Para batir el record la partida ha de ser grabada y enviada a Twin Galaxies, la compañía que contabiliza estos datos de forma oficial. Uno de sus jefes es Walter Day, árbitro de videojuegos.

El mérito de este documental es desarrollar y llevar a buen puerto una idea tan sencilla como original. Seth Gordon graba el día a día de cada uno de los personajes mostrándonos su personalidad, sus logros y su visión sobre la vida, las personas que los rodean, las fricadas que envuelven a este mundillo de los videojuegos clásicos, etc. Y consigue reunir todos los elementos principales de un mítico arcade: un villano poderoso que denosta y menosprecia a su rival, un héroe que aun no ha encontrado su lugar en el mundo, acción a raudales y una historia emotiva de por medio.

El elenco de personajes secundarios es brutal: un árbitro de videojuegos que arbitra partidas en directo(con movimientos físicos para marcar las faltas o trampas cometidas, como si fuera un árbitro de fútbol), friquis de los míticos arcade, una señora de 80 años que sustenta el record en otro arcade clásico...

En la fotografía podéis ver al árbitro de videojuegos mirando un partida de Steve.

"Touch of evil", Orson Welles(1958)

Para estar rodada en 1958, contar con un presupuesto de serie b, con una historia un poco mediocre como base, y unos diálogos tan solo "buenos", "Touch of evil" ("Sed de mal"), es una de las películas de cine negro más modernas de la historia. La obra terminó en manos de Welles casi por accidente. Un Chartlon Heston disconforme exigió que fuese dirigida por el maestro estadounidense o no interpretaría el papel principal, el honesto policía mejicano Vargas. Se ha planteado la duda de quien era realmente el protagonista, ya que el abultado tiempo en escena de Welles como el policía corrupto Quinlan, da lugar a una genial caracterización de un personaje rastrero, xenófobo, marcado por un pasado semioculto y que se tambalea a un lado y a otro de la ley para satisfacer sus propios intereses. Por otro lado, se nota la falta de presupuesto para un Welles que llevaba retirado 10 años, por eso la película recuerda escandalosamente a un estudio de Hollywood. Como amante de la música, creo que todo el mundo debería hacerle un hueco en su colección a la banda sonora de Henry Mancini, un mestizaje soberbio de rock and roll, jazz, pianola y música latina que encaja en la película como esa atmosfera de nocturnidad inseparable del cine negro. Otro factor clave en la película es la fotografía de Russel Metty, de ahí mi elección como imagen de entrada este juego de sombras imposible. Parece que la rejuvenecida y rebelde mano de Welles se combinó con la de Metty exclusivamente para ver nacer a "Touch of evil", que según Cahiers du cinema, es la mejor película de serie b de la historia. ¡Juzguen ustedes mismos!

"La leyenda del tiempo", Isaki Lacuesta(2006)

La leyenda del tiempo (1979) es uno de los discos más laureados de Camarón, dedicado a Federico García Lorca y donde el flamenco explora nuevas formas abriéndose a la fusión. Alrededor de la figura de este maestro, girán la historias de Isra y Makiko, dos personajes opuestos e iguales al mismo tiempo. Isra es un jovén cantaor gitano que no puede cantar porque ha de guardar luto por la muerte de su padre. Makiko es una enfermera de Tokyo que viaja a la isla gaditana de San Fernando para aprender a quejar su voz como la de Camarón. Esta contraposición se une en el sentimiento que expresan con lo que hacen. Ya sea el dolor por la ausencia de la figura paternal, como la imposibilidad de la japonesa por comunicar sus sentimientos ya que no consigue asimilar el cante. Isra y Makiko son dos personajes en busca de un cambio radical en sus vidas y lo expresan delante de su único nexo de unión, un marinero japonés confidente de ambos. Los diálogos entre los personajes principales son intrascendentes, sencillos, pero de una sinceridad desnuda. Son situaciones observadas desde la corta distancia, la suficiente para llegar a captar momentos realmente íntimos.

Tanto el disco como la película son obras paralelas, transcienden los límites de la música y el cine respectivamente. Centrándome en la película, la situo (por intentar guiaros un poco) en la onda dramática de No quarto da Vanda de Pedro Costa (2000) y la documental de Innisfree Jose Luis Guerín (1990), para acercarse a otra obra de este último, En construcción (2001). Hace unos años vi la ópera prima de Lacuesta, Cravan vs Cravan (2002), un documental en el que ya mostraba su singularidad a la hora de realizar cine, pero es en La leyenda del tiempo donde rompe todas las barreras de este género.

Rodada con solo dos cámaras y sin guión fijio, Isaki Lacuesta ha creado una referencia del cine español de nuestra década.

"Stranger than paradise", Jim Jarmusch (1984)

"Es gracioso, vas a un sitio nuevo y todo te parece igual"

Eva es una joven una húngara que llega a los Estados Unidos para instalarse en casa de su primo Willie, un chico de raíces pérdidas, malhumorado y cuyo mayor pasatiempo es apostar a los caballos con su colega Eddie. 3 personas que se dedican a pasar el tiempo; sin ninguna pretensión(en general) más allá de la propia secuencia.

Stranger than paradise es como un filtro de lo mundano. Innumerables planos secuencia de los personajes viendo la televisión, durmiendo o caminando forman la película. Hay quien tacha esta película de anodina por ello, pero no lo veo así. En los 89 minutos que dura la obra, se explora la sensibilidad de unos personajes muy definidos en un mundo frío, desertificado, donde todo lo que hagas parece no tener mayor sentido que el que alberga tu propia conciencia. No os toméis esto como una amenaza a vuestro entretenimiento, todo lo contrario, el desarrollo de los acontecimientos en forma de viaje a lo road movie y la peculiaridad de los personajes os darán lo que buscáis. A pesar de la carencia argumental, Eva será la que le dé un poco de sentido a todo.

Dentro de lo estético, Extraños en el paraíso esta rodada en b/n y la fotografía corre a cargo de Tomy Dicillo. La banda sonora es de Screamin' Jay Hawkins, uno de los personajes más histriónicos del rock y el soul a finales de los 50.

Aquí os dejo un trailer con la divertida escena de la "tv dinner", donde le explica que se llama así porque está hecha para comer viendo la tele, sin preocuparse de limpiar los platos:

Película de muy bajo presupuesto pero crucial en el cine independiente norteamericano de los 80. Cosechó bastantes exitos, siendo ganadora de la Cámara de oro en Cannes en 1984, el Leopardo de Oro en Locarno en el mismo año y el Premio especial del jurado en Sundance en 1985

"Christiane F: Wir kinder vom bahnhoof zoo", Ulrich Edel(1981)

Basada en el libro que lleva su nombre, la película de Ulrich Edel es una radiografía perfecta de una generación de jovénes sin ideales y adictos a la heroína a finales de los 70 en Berlín.

Christiane es una adolescente de 14 años de padres separados. Su fijación en una compañera de clase más desarrollada y que frencuenta la discoteca "Sound", motivan sus primeras escapadas nocturnas. Allí conoce a los que serán sus nuevos colegas y entre ellos a Detlev, su primer gran amor. Integrada en una pandilla de amigos que consumen drogas, Christiane se irá introduciendo poco a poco en este sórdido mundillo.

La increíble banda sonora es de David Bowie :)

"Bleu", Krzystof Kieslowski(1993)

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"Bleu" es la primera película de la trilogía "Trois Couleurs" de Kieslowski, seguida por "Blanc" y "Rouge". Basada en los colores de la bandera francesa que representan la libertad, igualdad y fraternidad; el director polaco desarrolla su obra con el fin de analizar estos principios sobre los que se pretendió construir la nueva sociedad francesa después de la revolución. Es evidente que la complejidad del individuo y de la sociedad a gran escala se escapa a cualquier pretensión de este tipo. En las dos próximas entradas estableceré algunos puntos de unión entre estas maravillas del séptimo arte. Hoy me ocuparé de lo que aquí concierne, "Bleu".

Julie(Juliette Brinoche); Patrice, su marido; y la hija de ambos sufren un aparatoso accidente de coche. Los dos últimos pierden la vida en él. Una vez consciente de los echos, Julie no tiene valor para suicidarse en un intento de romper con su pasado. Cuando decide vender la casa donde ella y su esposo criaron a su hija; Olivier, un compositor y amigo de Patrice, se cruza en su camino.

Visualmente es una obra maestra, la más lograda de las trilogía a mi parecer. Las imágenes fluyen totalmente acompasadas con la narración de la historia gracias a las elipsis, momentos carentes de diálogos que nos llevan a interpretar toda la carga significativa de lo que vemos. Por otro lado, los tonos azules de la fotografía de Slawomir Idziak forman una simbología presente allá donde Julie va(y que me recuerda un poco a la complejidad del cine de Tarkovsky): Los reflejos del agua en la piscina, refugio acuático que Julie usa para intentar no percibir el exterior; las piedras de la lámpara de lágrimas, como único lazo material que le une a su vida anterior; las imágenes del televisor que obnubilan a su madre, representando así la deshumanización provocada por los continuos avances tecnológicos; las ecografías de la amante secreta de Patrice, las cuales desvelan un pasado desconocido hasta el momento... pasado que aviva la conmovedora música de Zbigniew Preisner, hilo conductor de la película ya que actúa como único nexo indivisible entre Julie y Patrice. Del elenco de actores solo mencionaré a la protagonista, Juliette Brinoche, paradigma perfecto de una persona que ha perdido lo que más quería y que, a pesar del dolor, es incapaz de mostrar sus emociones hasta el final de la película.

León de Oro en Venecia del 1993

"Les amants du pont neuf", Leos Carax(1992)

Leos Carax culmina una obra muy original y con una gran variedad de escenas, capaces de haceros estremecer, dejaros boquiabiertos o incluso despertar algún sentimiento olvidado. Por ejemplo, la parte de esquí acuático sobre el sena en medio de los fuegos artificiales para el centenario de la república no tiene precio. La belleza de imágenes como esta contrasta claramente con la pobreza y la miseria de los protagonistas. Juliette Binoche interpreta a Michèle, una pintora que se echa a la calle debido a sus problemas amorosos y a una enfermedad que degenera su vista pulatinamente. Denis Lavant hace de Alex, un artista de circo fracasado por su afición al acohol y su adicción a los sedantes. Los dos se cruzan cuando Michèle encuentra a Alex tirado sobre el asfalto, inconsciente, después de que un coche le pasara por encima de las piernas a toda velocidad. A partir de ahí, la dependencia del uno con el otro no hará más que crecer.