miércoles, 21 de septiembre de 2011

"Qing shao nian nuo zha", Tsai Ming-Liang (1992)

"Los Rebeldes del Dios de Neón"

"Rebels of the Neon God"

El cine de Tsai Ming-Liang o lo amas o lo odias, pero nunca deja indiferente a nadie. He visto varias de sus películas, todas ellas muy peculiares y apasionantes en mi opinión, tan sobrias que algunos las tachan de lentas y aburridas. Este efecto soporífero quizás se deba a personajes cuyas vidas no difieren tanto de las nuestras, o talvez, a que el día a día en una metrópoli resulta demasiado aburrido y nada azaroso. Lejos de pretender emitir juicios de valor sobre el porqué de esta opinión, "Los Rebeldes del Dios de Neón" es un film sobre la cotidianeidad en su estado más puro, sin más adornos que una banda sonora compuesta por una melodía repetitiva. No obstante, creo que es la obra más accesible de cuantas he visto del taiwanés.

Como buen cinéfago me gusta trasladarme a la vida de los personajes, me parece más interesante que contemplar la de los mismos y a eso me remito cuando quiero ver una película. No me refiero solo al hecho de que me abstraiga y consiga introducirme en la piel de otra persona, sino a algo que va más allá. Tras un visionado de "Los Rebeldes del Dios de Neón", nos apetece ir a Taipei a comer arroz con palillos, recorrer en moto sus sombrías avenidas de infinitos neones o patinar en esas pistas similares a las de los coches de choque de toda la vida. Por otro lado, Tsai Ming-Liang no nos ofrece el típico panorama de una ciudad bulliciosa y mugrienta, su obra nos invita a la reflexión sobre una sociedad alineada al mismo tiempo que nos sobrecoge con la atmósfera que envuelve a los protagonistas.

El argumento se centra en 4 personajes. El principal es Hsaio, un joven estudiante que decide abandonar la escuela y recuperar el dinero que sus padres habían invertido en la matrícula sin que estos se enteren. Harto de vivir con ellos bajo el mismo techo, emplea el dinero conseguido para marcharse a Taipei y comenzar una nueva vida. Los siguientes en aparecer son Ah Tze y Ah Bing, dos ladronzuelos que viven un apartamento que se inunda cada dos por tres debido al mal funcionamiento de un desagüe. Y por último, se nos presenta a Ah Kuei, una chica enrollada con Ah Tze y que trabaja en una pista de patinaje.

Si habéis visto otras películas de este autor os habréis dado cuenta de que el agua es un tema recurrente en su filmografía. Taiwán es una isla en la que llueve muchísimo y Tsai Ming-Liang ha decido incorporar el líquido elemento en cada una de sus obras de diferente manera. El agua actúa siempre como un factor incontrolable, capaz de alterar el comportamiento de los personajes e incluso de llegar a desquiciarlos. De alguna forma, es como un personaje más de la película y cuya presencia resulta una amenaza para el resto. En "Los Rebeldes del Dios de Neón", el agua aparece una y otra vez, ya sea en forma de lluvias torrenciales o anegando completamente el piso de Ah Tze y Ah Bing. En alguna escena, hasta sirve como telón de fondo para reflejar la falta de comunicación entre los habitantes del apartamento, quienes se sienten abrumados por las circunstancias que los rodean.

Respecto a los personajes no tengo demasiado que comentar, me parecen muy buenos en sus papeles. Lee Kang-Sheng hace todo lo que se espera de él en su papel de Hsiao: un alma perdida en una metrópoli, sin identidad propia ni perspectivas de algún tipo. Los macarrillas Ah Tze y Ah Bing están bien interpretados por Chen Chao-Jung y Jen Chang-Bin respectivamente, aunque este último tiene algún que otro desliz en sus últimas escenas. Y por último, Yu-Wen Wang, que recrea muy bien a la inocente e inmadura Ah Kuei.



Banda sonora:


domingo, 17 de abril de 2011

"Los viajes del tiempo", Ciro Guerra (2009)

5 años tardó Ciro Guerra en rodar esta película, una obra cuya complejidad se puede apreciar durante el visionado. El recorrido que llevan a cabo los protagonistas no es para menos, 80 localizaciones en totalidad, un largo viaje por el Caribe colombiano donde se explorara la riqueza cultural del país. Cuatro son los idiomas que aparecen en pantalla: español, ika-arahuaco, bantú y wayuu. También se aprecia una labor de ambientación muy lograda sobre las raíces y la tradición del vallenato y de otros géneros folclóricos originarios de Colombia.

La historia trata sobre el viaje que emprende un juglar vallenato para entregar un legendario acordeón reliquia del diablo. La leyenda cuenta que un maleficio caerá sobre cualquiera que ose tocar ese instrumento, la única manera de romper tal embrujo es devolver dicho acordeón a su maestro. Durante su periplo, un joven muchacho se une al acordeonista con el fin de aprender a tocar el instrumento y descubrir el secreto de la música.

La esencia de la película es el viaje en sí mismo, el mito del héroe sobre el que se narran las aventuras de los protagonistas pero que al mismo tiempo sirve para documentar hechos reales como las piquerías (duelos) de acordeonistas, o para mostrar rincones ocultos de la Colombia profunda, llenos de belleza paisajística y de culturas hetereogéneas. Este film representa un giro de 180º en el panorama del cine colombiano: una huída de la tragedia de la drogas y la violencia y un intento de acercar el país a la gente. De hecho, en palabras de Ciro Guerra: "los colombianos son los únicos que tienen autoridad para entender la película".

Os dejo varios vídeos de youtube que espero que disfrutéis, el primero de todos es una canción bellísima llamada "Caballito ae"





lunes, 24 de enero de 2011

"Spalovac mrtvol", Juraj Herz (1968)


Todavía no he visto mucho cine de los 60 y 70 de Europa del este, pero poco a poco me voy aficionando a este tipo de películas, bastante curiosas por cierto y en este caso, muy intrigante. Como he descuidado bastante mi blog, me he decantado por este filme que acabo de ver hace un par de días. El "Incinerador de cadáveres", como se conoce en España, no es una obra común ni tampoco una cinta de terror propiamente dicho, en realidad, creo que esta etiqueta no es muy fiel a la obra. A los que tanto nos agrada encontrar rarezas de este calibre, hubiéramos deseado que la filmografía de Juraj Herz estuviese al alcance de todos para poder indagar un poco más en ella.

El Sr. Kopfrkingl, interpretado por un espléndido Rudolf Hrusinsky, es el dueño de un crematorio en la Praga de los años 30. Es una persona entrada en carnes que ni prueba gota de alcohol ni fuma, viste de forma elegante, posee una labia infinita y le fascina la relación muerte-cuerpo-espíritu, de hecho, cita en numerosas ocasiones el Libro Tibetano de los Muertos. Su mujer, sus dos hijos y él forman una familia perfecta que goza de una posición social acomodada. Su vida cambiará cuando un amigo simpatizante del régimen del Führer lo visita.

Lo que más me llamó la atención es la puesta en escena de Rudolf Hrusinsky, cuyos gestos, maneras y manías son totalmente acordes con el personaje que interpreta: una persona fría, de mente pérfida, obsesiva y lo suficientemente intelectual como para hipnotizar con su discurso a familiares, empleados y conocidos. Además, la sutileza con la que presenta la cremación de cadáveres es digna de un filósofo. Quizás sea ésta una de las pocas pegas que le veo a la película, por momentos, los monólogos del protagonista rebasan los niveles de intelectualidad para mi gusto. No obstante, rápido nos olvidamos de esto cuando observamos a un hombre que peina con delicadeza a los muertos antes de incinerarlos, con manías así se le perdona todo.

El apartado visual también da que hablar debido al enfoque experimental de la cinta, con imágenes deformadas, desenfoques, primeros planos del protagonista como eje central de la escena y una siniestra atmósfera en blanco y negro muy bien lograda. En la primera escena ya se puede ver uno de los tantos planos que pivotan de una lado a otro sobre un punto fijo, en este caso el del tigre enjaulado:


Un factor clave en la obra es que el director estuvo preso en un campo de refugiados nazi a los 10 años, cautiverio que se refleja en el trasfondo de la película: un alegato de odio total hacia los totalitarismos. De ahí que una de las bazas fuertes de la película sea el comportamiento obsesivo y demente del protagonista, conducta que se sirve a sí misma para descalificar esta ideología. Tan solo basta con echar un ojo a esta imagen:



Aquí os dejo el tráiler de la película:





domingo, 16 de enero de 2011

"El fin del mundo", Alberto González Vázquez (2010)


















Un corto para desternillarse. Básicamente, intercala un mensaje tergiversado del presidente Reagan con un collage de animaciones e imágenes que anuncian una solución a una gran amenaza mundial.



jueves, 15 de julio de 2010

"Xích lô", Tran Anh Hung (1995)

"Cyclo"

Un joven recorre cada día en su "cyclo" (una especie de bicicleta-taxi) la agitada ciudad de Ho Chi Minh (antigua Saigón), Vietnam, para ayudar económicamente a su familia. Un día le roban su medio de subsistencia, obligándolo a buscarse la vida y pedir ayuda. La falta de medios le descubrirá cómo algo tan simple como el negocio de los "cyclos" esconde tras de si un mundo peligroso.

"Cyclo" es la primera película que veo del director vietnamita Tran Anh Hung, que ya ha ganado un adepto entre sus filas. No recuerdo muy bien el momento en el que descargue esta peli, ni la página que me llevo a ella, ni porqué lo hice... Pero al empezar a verla la sorpresa fue mayor!! Soy un apasionado de los filmes rodados en ambientes sórdidos y violentos, en los que la vida pende de un hilo si no ganas lo suficiente; con personajes que por momentos deliran y parecen atrapados en su propia confusión y con un estilo de hacer cine poco convencional.
León de Oro en Venecia.

Aquí os deja una escena con la canción "creep" de Radiohead.






domingo, 2 de mayo de 2010

"Duo luo tian shi", Wong Kar-Wai(1995)














"Ángeles Caídos", "Fallen Angels"


"La noche está llena de tipos raros"

Hong Kong, una de las ciudades más masificadas del mundo y como todas, llena de personas aisladas, solitarios que buscan en la noche un nuevo giro a su vida. Personas que lloran por amor, que gastan su último centavo en los juegos de azar, que asesinan por encargo, que se sientan solas a comer en un McDonald's vacío... y la madrugada sólo es la excusa para refugiarse en antros u habitaciones de mala muerte. Una atmósfera donde las luces de neón iluminan más que los rincones oscuros por los que se mueven frenéticamente los personajes. Y detrás de ellos, está la ciudad en sí misma, una metrópoli vanguardista que se nos insinúa como el lugar perfecto perfecta para rodar esta cinta.

Una auténtica joya del cine underground.





jueves, 8 de abril de 2010

"Sharasojyu", Naomi Kawase(2003)

Un día de verano, dos hermanos gemelos echan una carrera por las callejuelas de su ciudad. Como si de magia se tratara, uno de ellos desaparece sin dejar rastro al doblar una esquina. La pérdida del adolescente sume a la familia en un profundo dolor, que lo intenta paliar volcándose de lleno en la preparación del festival de Shara.

Este sufrimiento es el hilo principal de la película. Cada miembro de la familia lo lleva de una forma personal, intentándolo asumir para aceptar que la vida continúa. El caso más curioso me parece el del hermano gemelo, que vuelve a visitar el lugar de la tragedia varias veces. Es una calle muy estrecha y larga, con una puerta al principio donde se detiene reiteradamente, como preguntándose si de verdad todo ocurrió en esa misma entrada, casi delante de sus narices.

Me gusta mucho la cámara en mano, su forma de registrarlo todo con ese leve bamboleo, porque parece que realmente hay un espectador furtivo en la escena. De hecho, al principio de la película cuando se exploran las habitaciones, canaletas, patios, ventanas y demás rincones de la casa, creía que realmente era una persona en búsqueda de esas inocentes voces de niños que se oían de fondo.

Quizás me han despistado un poco algunos rituales que se muestran en la peli, mi cultura sobre el folclore japonés es más que limitada... pero su papel en el film me ha causado una gran impresión. Son como un tira y afloja entre lo tradicional y lo moderno. Pese al dolor que provoca la pérdida de un ser querido, los familiares, en especial el padre y la madre, se aferran a estos actos de purificación ancestrales. En muchas escenas, se refleja que la vida moderna de la ciudad sigue su curso, pese a ir acompañadas de sonidos ceremoniales. Esta música, que solo es audible para el espectador, parece omnipresente en toda la familia y los habitantes de la ciudad.

Aquí os dejo un vídeo del festival de Shara!

martes, 30 de marzo de 2010

"Grey Gardens"; Albert Maysles y David Maysles(1975)

Cuando los hermanos Maysles se propusieron rodar un documental sobre Lee Redziwill, la hermana de Jacqueline Kennedy, se toparon con dos personajes muy extravagantes, la tía de esta última, Edith Bouvier, y su hija Edie. La excentricidad que rodea las vidas de madre e hija hicieron que los Maysles desestimaran su plan inicial.

Edith era una cantante célebre que fue desheredada y abandonada por su marido, mientras que Edie, dejó de lado sus aspiraciones en el mundo de la moda y de la danza para cuidar a su madre. Con los bolsillos bastante vacíos, sobrevivían en Gray Gradens, una defenestrada mansión de 28 habitaciones (prácticamente engullida por un abandonado jardín y hogar de numerosas zarigüeyas, mapaches y gatos) en East Hampton (Long Island, USA). En tal estado de decadencia estaba la casa que las autoridades de la localidad amenzaron a las Bouvier con desalojarlas si no la limpiaban. Completamente aisladas de la sociedad, solo recibían la visita de Jerry, un vecino bautizado por Edie como "El Fauno de mármol".

Este documental me recuerda al "Desencanto" de Jaime Chávarri, en el que la cámara se limitaba a grabar la vida cotidiana de los Panero, familia de varios poetas españoles, y los testimonios de sus recuerdos, lamentaciones y reproches mutuos. En este caso, los Maysles se hacen presentes en el documental. No les importa dejarse ver por la cámara, conversar con los personajes e incluso grabarse en el espejo del cuarto donde se desarrolla la escena.

En el 2009 se rodó un remake del documental con Jessica Lange y Drew Barrymore como protagonistas. También se ha estrenado un musical en Broadway con el mismo nombre -> web oficial del musical


miércoles, 17 de marzo de 2010

"Mauvais sang", Leos Carax(1986)

Alguien que se aventura a escribir un poco sobre cine, sea de la forma que sea (en mi caso de manera humilde) y que pretenda destripar el cine de un director aunque sea a grandes rasgos, debería de comenzar por ver sus películas cronológicamente. Con más razón todavía, si se descubre a ese director gracias a una película cualquiera de su filmografía y se convierte en interés personal.

Debido a la falta de tiempo por culpa de la uni, el placer vacuo que encuentro últimamente en la dejadez, el desinterés en investigar nuevas referencias y/o referentes culturales, y otras ocupaciones que suelen rondar por mi cabeza loca, me salto a la torera todo mi discurso anterior.

Esto no me impide desenmascarar lo que es de por sí evidente y lo que me atañe en estas líneas, que es el cine de Leos Carax. Solo he visto dos de sus films, este y Les amants du pont neuf(1992). Visto que la transgresión y el formato propio a la hora del rodaje se mantiene y se desarrolla entre estas obras, además de estar muy logrado, resulta fácil deducir que Leos Carax fue un renovador del cine francés. La resaca de la nueva ola francesa fue precisamente eso, una resaca cuyas bases de innovación cinematográfica caducaron ya en los 70.

En Mauvais sang nos topamos con un cine extremadamente rejuvenecedor, lleno de vitalidad a pesar de la historia sencilla que cuenta. El virus STBO, que se encuentra aislado en un laboraorio, mata a las personas que hacen el amor sin un sentimiento real. Marc y la Americana son dos enemigos que quieren robar el virus y para ello necesitan contratar a alguien experto con las manos, Alex(Denis Lavant). A partir de este esbozo, Carax traza un vínculo de relaciones personales como él solo sabe hacerlo, basadas en un profundo amor y en obsesiones desorbitadas.

Aparte, Carax tiene un talento único para confeccionar todo tipo de situaciones. Por ejemplo: el paso del Cometa Halley causa un fuerte calentamiento que quema los pies de Anna(Juliette Binoche), o como Alex se hace rehén de sí mismo apuntándose a la cabeza con un revólver. Son pequeñas cosas que en conjunto dan forma a un cine muy personal y atractivo. Por otro lado, en estas escenas también hay un hueco enorme para la experimentación visual, mención especial para la fotografía y el manejo de la cámara, a veces muy atrevidos y arriesgados: primeros planos de pies corriendo, una coreografía alocada de "Modern love" de David Bowie, cambios de color a blanco y negro...

Os dejo unos de los saltos de paracaídas más entrañables que he visto:

domingo, 7 de marzo de 2010

"Manji", Yasuzo Masumura(1964)

Masumura pertenece a la segunda ola del cine japonés, un movimiento renovador después del cine más conservador de Ozu, Mizoguchi y Kurosawa. Junto a otros directores como Shohei Imamura, Kôji Wakamatsu, Masahiro Shinoda, Nagisa Oshima, Seijun Suzuki, Yoshishige Yoshida... Masumura intentaba vivir en el presente cinematográfico y adaptarse a las nuevas corrientes, de ahí que su cine fuese transgresor y necesario para mentes ávidas de nuevas tendencias en el celuloide.

"A Quentin Tarantino le interesa mostrar como un hombre corta la oreja a otro hombre, a David Lynch le interesa la oreja"

Esta frase me vino a la mente a la hora de ponerme a escribir esta entrada porque se puede aplicar al cine de Takeshi Miike y de Yasuzo Masumura. Los dos retratan obsesiones pero Miike se centra más en la violencia mientras que Masumura prefiere focalizar la escena en la pasiones desorbitadas de sus personajes, asumiendo la violencia como parte natural del proceso. En Môjû(Blind Beast), comentada en este blog, ocurre otro tanto de lo mismo.

Manji es un melodrama en el que una joven casada, Sonoko, aburrida de su vida de ama de casa decide inscribirse en unas clases de arte. Allí conoce a Mitsuko, mujer con la que mantendrá relaciones lésbicas. A este duo no tardarán en unirse el marido de Sonoko y el prometido de Mitsuko, dando lugar a una serie de triángulos amorosos y celos enfermizos. El amor, por veces sexual y por veces platónico, adquiere nuevos horizontes según transcurren los 90 minutos de la película. Nunca se llega al aburrimiento, ya que cada nivel representa un paso más hacia la obsesión fatal y el deterioro moral y físico.

El fantástico guión está escrito por Kaneto Shindo (autor de Onibaba, película que ya comentaré más adelante), en el que establece un contrapunto muy jugoso entre la cordura y la falta de razón, representados por el marido de Sonoko y esta, respectivamente. Esta dualidad que sirve como eje de equilibrio en el film, se va al garete poco a poco, absorbiéndonos en una espiral de pasiones, engaños y sexo.




jueves, 11 de febrero de 2010

"The King of the Kong", Seth Gordon(2007)

Billy Mitchell ha mantenido intacto su record de la mítica recreativa Donkey Kong la friolera de 20 años. Además fue catalogado como el mejor jugador de recreativas de su época. Por otro lado, tenemos a un ejemplar padre de familia llamado Steve Wiebe que fue despedido de su trabajo como ingeniero. Apocado y sin saber qué hacer decide intentar batir el record de Billy, para ello, se pasa horas y horas delante de su recreativa de Donkey Kong en el garage familiar. Para batir el record la partida ha de ser grabada y enviada a Twin Galaxies, la compañía que contabiliza estos datos de forma oficial. Uno de sus jefes es Walter Day, árbitro de videojuegos.

El mérito de este documental es desarrollar y llevar a buen puerto una idea tan sencilla como original. Seth Gordon graba el día a día de cada uno de los personajes mostrándonos su personalidad, sus logros y su visión sobre la vida, las personas que los rodean, las fricadas que envuelven a este mundillo de los videojuegos clásicos, etc. Y consigue reunir todos los elementos principales de un mítico arcade: un villano poderoso que denosta y menosprecia a su rival, un héroe que aun no ha encontrado su lugar en el mundo, acción a raudales y una historia emotiva de por medio.

El elenco de personajes secundarios es brutal: un árbitro de videojuegos que arbitra partidas en directo(con movimientos físicos para marcar las faltas o trampas cometidas, como si fuera un árbitro de fútbol), friquis de los míticos arcade, una señora de 80 años que sustenta el record en otro arcade clásico...

En la fotografía podéis ver al árbitro de videojuegos mirando un partida de Steve.

sábado, 5 de diciembre de 2009

"Touch of evil", Orson Welles(1958)

Para estar rodada en 1958, contar con un presupuesto de serie b, con una historia un poco mediocre como base, y unos diálogos tan solo "buenos", "Touch of evil" ("Sed de mal"), es una de las películas de cine negro más modernas de la historia. La obra terminó en manos de Welles casi por accidente. Un Chartlon Heston disconforme exigió que fuese dirigida por el maestro estadounidense o no interpretaría el papel principal, el honesto policía mejicano Vargas. Se ha planteado la duda de quien era realmente el protagonista, ya que el abultado tiempo en escena de Welles como el policía corrupto Quinlan, da lugar a una genial caracterización de un personaje rastrero, xenófobo, marcado por un pasado semioculto y que se tambalea a un lado y a otro de la ley para satisfacer sus propios intereses. Por otro lado, se nota la falta de presupuesto para un Welles que llevaba retirado 10 años, por eso la película recuerda escandalosamente a un estudio de Hollywood. Como amante de la música, creo que todo el mundo debería hacerle un hueco en su colección a la banda sonora de Henry Mancini, un mestizaje soberbio de rock and roll, jazz, pianola y música latina que encaja en la película como esa atmosfera de nocturnidad inseparable del cine negro. Otro factor clave en la película es la fotografía de Russel Metty, de ahí mi elección como imagen de entrada este juego de sombras imposible. Parece que la rejuvenecida y rebelde mano de Welles se combinó con la de Metty exclusivamente para ver nacer a "Touch of evil", que según Cahiers du cinema, es la mejor película de serie b de la historia. ¡Juzguen ustedes mismos!




viernes, 20 de noviembre de 2009

"La leyenda del tiempo", Isaki Lacuesta(2006)

La leyenda del tiempo (1979) es uno de los discos más laureados de Camarón, dedicado a Federico García Lorca y donde el flamenco explora nuevas formas abriéndose a la fusión. Alrededor de la figura de este maestro, girán la historias de Isra y Makiko, dos personajes opuestos e iguales al mismo tiempo. Isra es un jovén cantaor gitano que no puede cantar porque ha de guardar luto por la muerte de su padre. Makiko es una enfermera de Tokyo que viaja a la isla gaditana de San Fernando para aprender a quejar su voz como la de Camarón. Esta contraposición se une en el sentimiento que expresan con lo que hacen. Ya sea el dolor por la ausencia de la figura paternal, como la imposibilidad de la japonesa por comunicar sus sentimientos ya que no consigue asimilar el cante. Isra y Makiko son dos personajes en busca de un cambio radical en sus vidas y lo expresan delante de su único nexo de unión, un marinero japonés confidente de ambos. Los diálogos entre los personajes principales son intrascendentes, sencillos, pero de una sinceridad desnuda. Son situaciones observadas desde la corta distancia, la suficiente para llegar a captar momentos realmente íntimos.

Tanto el disco como la película son obras paralelas, transcienden los límites de la música y el cine respectivamente. Centrándome en la película, la situo (por intentar guiaros un poco) en la onda dramática de No quarto da Vanda de Pedro Costa (2000) y la documental de Innisfree Jose Luis Guerín (1990), para acercarse a otra obra de este último, En construcción (2001). Hace unos años vi la ópera prima de Lacuesta, Cravan vs Cravan (2002), un documental en el que ya mostraba su singularidad a la hora de realizar cine, pero es en La leyenda del tiempo donde rompe todas las barreras de este género.

Rodada con solo dos cámaras y sin guión fijio, Isaki Lacuesta ha creado una referencia del cine español de nuestra década.





sábado, 7 de noviembre de 2009

"Stranger than paradise", Jim Jarmusch (1984)

"Es gracioso, vas a un sitio nuevo y todo te parece igual"

Eva es una joven una húngara que llega a los Estados Unidos para instalarse en casa de su primo Willie, un chico de raíces pérdidas, malhumorado y cuyo mayor pasatiempo es apostar a los caballos con su colega Eddie. 3 personas que se dedican a pasar el tiempo; sin ninguna pretensión(en general) más allá de la propia secuencia.

Stranger than paradise es como un filtro de lo mundano. Innumerables planos secuencia de los personajes viendo la televisión, durmiendo o caminando forman la película. Hay quien tacha esta película de anodina por ello, pero no lo veo así. En los 89 minutos que dura la obra, se explora la sensibilidad de unos personajes muy definidos en un mundo frío, desertificado, donde todo lo que hagas parece no tener mayor sentido que el que alberga tu propia conciencia. No os toméis esto como una amenaza a vuestro entretenimiento, todo lo contrario, el desarrollo de los acontecimientos en forma de viaje a lo road movie y la peculiaridad de los personajes os darán lo que buscáis. A pesar de la carencia argumental, Eva será la que le dé un poco de sentido a todo.

Dentro de lo estético, Extraños en el paraíso esta rodada en b/n y la fotografía corre a cargo de Tomy Dicillo. La banda sonora es de Screamin' Jay Hawkins, uno de los personajes más histriónicos del rock y el soul a finales de los 50.

Aquí os dejo un trailer con la divertida escena de la "tv dinner", donde le explica que se llama así porque está hecha para comer viendo la tele, sin preocuparse de limpiar los platos:





Película de muy bajo presupuesto pero crucial en el cine independiente norteamericano de los 80. Cosechó bastantes exitos, siendo ganadora de la Cámara de oro en Cannes en 1984, el Leopardo de Oro en Locarno en el mismo año y el Premio especial del jurado en Sundance en 1985

lunes, 2 de noviembre de 2009

"Christiane F: Wir kinder vom bahnhoof zoo", Ulrich Edel(1981)



















Basada en el libro que lleva su nombre, la película de Ulrich Edel es una radiografía perfecta de una generación de jovénes sin ideales y adictos a la heroína a finales de los 70 en Berlín.

Christiane es una adolescente de 14 años de padres separados. Su fijación en una compañera de clase más desarrollada y que frencuenta la discoteca "Sound", motivan sus primeras escapadas nocturnas. Allí conoce a los que serán sus nuevos colegas y entre ellos a Detlev, su primer gran amor. Integrada en una pandilla de amigos que consumen drogas, Christiane se irá introduciendo poco a poco en este sórdido mundillo.

La increíble banda sonora es de David Bowie :)






jueves, 17 de septiembre de 2009

"Bleu", Krzystof Kieslowski(1993)

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"Bleu" es la primera película de la trilogía "Trois Couleurs" de Kieslowski, seguida por "Blanc" y "Rouge". Basada en los colores de la bandera francesa que representan la libertad, igualdad y fraternidad; el director polaco desarrolla su obra con el fin de analizar estos principios sobre los que se pretendió construir la nueva sociedad francesa después de la revolución. Es evidente que la complejidad del individuo y de la sociedad a gran escala se escapa a cualquier pretensión de este tipo. En las dos próximas entradas estableceré algunos puntos de unión entre estas maravillas del séptimo arte. Hoy me ocuparé de lo que aquí concierne, "Bleu".

Julie(Juliette Brinoche); Patrice, su marido; y la hija de ambos sufren un aparatoso accidente de coche. Los dos últimos pierden la vida en él. Una vez consciente de los echos, Julie no tiene valor para suicidarse en un intento de romper con su pasado. Cuando decide vender la casa donde ella y su esposo criaron a su hija; Olivier, un compositor y amigo de Patrice, se cruza en su camino.

Visualmente es una obra maestra, la más lograda de las trilogía a mi parecer. Las imágenes fluyen totalmente acompasadas con la narración de la historia gracias a las elipsis, momentos carentes de diálogos que nos llevan a interpretar toda la carga significativa de lo que vemos. Por otro lado, los tonos azules de la fotografía de Slawomir Idziak forman una simbología presente allá donde Julie va(y que me recuerda un poco a la complejidad del cine de Tarkovsky): Los reflejos del agua en la piscina, refugio acuático que Julie usa para intentar no percibir el exterior; las piedras de la lámpara de lágrimas, como único lazo material que le une a su vida anterior; las imágenes del televisor que obnubilan a su madre, representando así la deshumanización provocada por los continuos avances tecnológicos; las ecografías de la amante secreta de Patrice, las cuales desvelan un pasado desconocido hasta el momento... pasado que aviva la conmovedora música de Zbigniew Preisner, hilo conductor de la película ya que actúa como único nexo indivisible entre Julie y Patrice. Del elenco de actores solo mencionaré a la protagonista, Juliette Brinoche, paradigma perfecto de una persona que ha perdido lo que más quería y que, a pesar del dolor, es incapaz de mostrar sus emociones hasta el final de la película.

León de Oro en Venecia del 1993




lunes, 14 de septiembre de 2009

"Les amants du pont neuf", Leos Carax(1992)

Leos Carax culmina una obra muy original y con una gran variedad de escenas, capaces de haceros estremecer, dejaros boquiabiertos o incluso despertar algún sentimiento olvidado. Por ejemplo, la parte de esquí acuático sobre el sena en medio de los fuegos artificiales para el centenario de la república no tiene precio. La belleza de imágenes como esta contrasta claramente con la pobreza y la miseria de los protagonistas. Juliette Binoche interpreta a Michèle, una pintora que se echa a la calle debido a sus problemas amorosos y a una enfermedad que degenera su vista pulatinamente. Denis Lavant hace de Alex, un artista de circo fracasado por su afición al acohol y su adicción a los sedantes. Los dos se cruzan cuando Michèle encuentra a Alex tirado sobre el asfalto, inconsciente, después de que un coche le pasara por encima de las piernas a toda velocidad. A partir de ahí, la dependencia del uno con el otro no hará más que crecer.




martes, 8 de septiembre de 2009

"Yuke yuke nidome no shojo", Kôji Wakamatsu(1969)

"Go go second time virgin"

Película de culto japonesa. "Yuke yuke nidome no shojo" fue muy controvertida para su época ya que mostraba imágenes sangrientas, drogas, violación... La cinta fue rodada con un presupuesto mínimo(5000 $) en lo alto de un edificio, excepto algunas tomas en una playa. Me topé con ella de casualidad hace dos años y me cautivó. Roza los límites de la poesía visual gracias a un absorvente B/N con algunas secuencias en color maravillosas(la escena de la playa en tonos azules es increíble) y unos diálogos minimalistas. Injustamente valorada en mi opinión, Wakamatsu representa una forma distinta de hacer cine después del resacón de Kurosawa, Mizoguchi, Ozu, etc...

La historia se centra en la relación entre una chica que es violada por segunda vez y un chico que observa la escena desde la distancia. Cuando el sol se eleva por encima del edificio, la chica despierta en la misma posición en la que fue violada bajo la mirada tímida del chico. Entre ellos se forma un vínculo que gira en torno a la violencia, el sexo y la depresión por el mundo en el que les ha tocado vivir.

sábado, 29 de agosto de 2009

"Calle mayor", Juan Antonio Bardem(1956)


Un par de gandules acomodados están hartos de la rutina en una pequeña ciudad. Sus intereses no escapan de los bares, el billar, el cine y pasearse por la calle mayor. Para entretenerse unos días más, deciden gastarle una broma a una solterona con ansias de casarse. Uno de ellos deberá seducirla y engañarla al mismo tiempo.

Basada en la comedia "La señorita de Trévelez" de Carlos Arniches, fue llevada al cine con el mismo título en 1936, de la mano de Edgar Neville. 20 años más tarde, Bardem filma una versión menos fiel a la obra original y más personal, dando a luz uno de los clásicos del cine español.

Esta película refleja a la perfección esa España de provincias de "La tía Tula". Todo el mundo se conoce en esta pequeña ciudad. La calle mayor es el centro neurálgico, donde las miradas se reencuentran una y otra vez y las habladurías se propagan como las tormentas. Una comunidad donde existen unas aspiraciones prefijadas, y si no se cumplen, la rígida moral provinciana te pone contra la pared. Esto es la paradoja de la calle mayor, el espejo de nuestras ilusiones y de nuestros miedos.

Me gustó mucho el papel de Betsy Blair, que encarna a una ilusionada solterona llena de sueños. Por otro lado me pareció decepcionante el vacío sonoro del principio, donde la voz en off cobra protagonismo sobre el ambiente (supuestamente para que no se pudiera reconocer el pueblo donde se rodó la película y dejar quedar a sus hombres de golfos sin escrúpulos....)




jueves, 20 de agosto de 2009

"Entre tinieblas", Pedro Almodóvar (1983)

La peor pesadilla de Rouco Varela

Comedia tan excéntrica como divertida. Yolanda, una cantante de boleros adicta a las drogas, presencia la muerte de su novio debido a una sobredosis de heroína adulterada. Temerosa, decide refugiarse en el convento de las "Redentoras humilladas", regido por una madre superiora que conoció en su camerino. Una vez dentro, Yolanda descubre los vicios y secretos de unas monjas muy poco comunes.

La movida madrileña deja su huella en esta pequeña joya: drogas, sexo, ruptura con lo anterior, osadía... Si a esto le añades un guión mogollón de original y una esencia que evoca a John Waters, obtendrás esta maravilla. Sin duda, mis monja preferida es Chus Lampreave, quien interpreta a Sor Rata; aunque destaco también las interpretaciones de Marisa Paredes como Sor Estiercol y Carmen Maura como Sor Perdida. La película en sí está llena de provocaciones y críticas ácidas a la religión, no os la podéis perder.

Os dejo un vídeo desternillante sobre las clases de besos según Sor Rata y el tráiler: