"Grey Gardens"; Albert Maysles y David Maysles(1975)

Cuando los hermanos Maysles se propusieron rodar un documental sobre Lee Redziwill, la hermana de Jacqueline Kennedy, se toparon con dos personajes muy extravagantes, la tía de esta última, Edith Bouvier, y su hija Edie. La excentricidad que rodea las vidas de madre e hija hicieron que los Maysles desestimaran su plan inicial.

Edith era una cantante célebre que fue desheredada y abandonada por su marido, mientras que Edie, dejó de lado sus aspiraciones en el mundo de la moda y de la danza para cuidar a su madre. Con los bolsillos bastante vacíos, sobrevivían en Gray Gradens, una defenestrada mansión de 28 habitaciones (prácticamente engullida por un abandonado jardín y hogar de numerosas zarigüeyas, mapaches y gatos) en East Hampton (Long Island, USA). En tal estado de decadencia estaba la casa que las autoridades de la localidad amenzaron a las Bouvier con desalojarlas si no la limpiaban. Completamente aisladas de la sociedad, solo recibían la visita de Jerry, un vecino bautizado por Edie como "El Fauno de mármol".

Este documental me recuerda al "Desencanto" de Jaime Chávarri, en el que la cámara se limitaba a grabar la vida cotidiana de los Panero, familia de varios poetas españoles, y los testimonios de sus recuerdos, lamentaciones y reproches mutuos. En este caso, los Maysles se hacen presentes en el documental. No les importa dejarse ver por la cámara, conversar con los personajes e incluso grabarse en el espejo del cuarto donde se desarrolla la escena.

En el 2009 se rodó un remake del documental con Jessica Lange y Drew Barrymore como protagonistas. También se ha estrenado un musical en Broadway con el mismo nombre -> web oficial del musical

"Mauvais sang", Leos Carax(1986)

Alguien que se aventura a escribir un poco sobre cine, sea de la forma que sea (en mi caso de manera humilde) y que pretenda destripar el cine de un director aunque sea a grandes rasgos, debería de comenzar por ver sus películas cronológicamente. Con más razón todavía, si se descubre a ese director gracias a una película cualquiera de su filmografía y se convierte en interés personal.

Debido a la falta de tiempo por culpa de la uni, el placer vacuo que encuentro últimamente en la dejadez, el desinterés en investigar nuevas referencias y/o referentes culturales, y otras ocupaciones que suelen rondar por mi cabeza loca, me salto a la torera todo mi discurso anterior.

Esto no me impide desenmascarar lo que es de por sí evidente y lo que me atañe en estas líneas, que es el cine de Leos Carax. Solo he visto dos de sus films, este y Les amants du pont neuf(1992). Visto que la transgresión y el formato propio a la hora del rodaje se mantiene y se desarrolla entre estas obras, además de estar muy logrado, resulta fácil deducir que Leos Carax fue un renovador del cine francés. La resaca de la nueva ola francesa fue precisamente eso, una resaca cuyas bases de innovación cinematográfica caducaron ya en los 70.

En Mauvais sang nos topamos con un cine extremadamente rejuvenecedor, lleno de vitalidad a pesar de la historia sencilla que cuenta. El virus STBO, que se encuentra aislado en un laboraorio, mata a las personas que hacen el amor sin un sentimiento real. Marc y la Americana son dos enemigos que quieren robar el virus y para ello necesitan contratar a alguien experto con las manos, Alex(Denis Lavant). A partir de este esbozo, Carax traza un vínculo de relaciones personales como él solo sabe hacerlo, basadas en un profundo amor y en obsesiones desorbitadas.

Aparte, Carax tiene un talento único para confeccionar todo tipo de situaciones. Por ejemplo: el paso del Cometa Halley causa un fuerte calentamiento que quema los pies de Anna(Juliette Binoche), o como Alex se hace rehén de sí mismo apuntándose a la cabeza con un revólver. Son pequeñas cosas que en conjunto dan forma a un cine muy personal y atractivo. Por otro lado, en estas escenas también hay un hueco enorme para la experimentación visual, mención especial para la fotografía y el manejo de la cámara, a veces muy atrevidos y arriesgados: primeros planos de pies corriendo, una coreografía alocada de "Modern love" de David Bowie, cambios de color a blanco y negro...

Os dejo unos de los saltos de paracaídas más entrañables que he visto:

"Manji", Yasuzo Masumura(1964)

Masumura pertenece a la segunda ola del cine japonés, un movimiento renovador después del cine más conservador de Ozu, Mizoguchi y Kurosawa. Junto a otros directores como Shohei Imamura, Kôji Wakamatsu, Masahiro Shinoda, Nagisa Oshima, Seijun Suzuki, Yoshishige Yoshida... Masumura intentaba vivir en el presente cinematográfico y adaptarse a las nuevas corrientes, de ahí que su cine fuese transgresor y necesario para mentes ávidas de nuevas tendencias en el celuloide.

"A Quentin Tarantino le interesa mostrar como un hombre corta la oreja a otro hombre, a David Lynch le interesa la oreja"

Esta frase me vino a la mente a la hora de ponerme a escribir esta entrada porque se puede aplicar al cine de Takeshi Miike y de Yasuzo Masumura. Los dos retratan obsesiones pero Miike se centra más en la violencia mientras que Masumura prefiere focalizar la escena en la pasiones desorbitadas de sus personajes, asumiendo la violencia como parte natural del proceso. En Môjû(Blind Beast), comentada en este blog, ocurre otro tanto de lo mismo.

Manji es un melodrama en el que una joven casada, Sonoko, aburrida de su vida de ama de casa decide inscribirse en unas clases de arte. Allí conoce a Mitsuko, mujer con la que mantendrá relaciones lésbicas. A este duo no tardarán en unirse el marido de Sonoko y el prometido de Mitsuko, dando lugar a una serie de triángulos amorosos y celos enfermizos. El amor, por veces sexual y por veces platónico, adquiere nuevos horizontes según transcurren los 90 minutos de la película. Nunca se llega al aburrimiento, ya que cada nivel representa un paso más hacia la obsesión fatal y el deterioro moral y físico.

El fantástico guión está escrito por Kaneto Shindo (autor de Onibaba, película que ya comentaré más adelante), en el que establece un contrapunto muy jugoso entre la cordura y la falta de razón, representados por el marido de Sonoko y esta, respectivamente. Esta dualidad que sirve como eje de equilibrio en el film, se va al garete poco a poco, absorbiéndonos en una espiral de pasiones, engaños y sexo.

"The King of the Kong", Seth Gordon(2007)

Billy Mitchell ha mantenido intacto su record de la mítica recreativa Donkey Kong la friolera de 20 años. Además fue catalogado como el mejor jugador de recreativas de su época. Por otro lado, tenemos a un ejemplar padre de familia llamado Steve Wiebe que fue despedido de su trabajo como ingeniero. Apocado y sin saber qué hacer decide intentar batir el record de Billy, para ello, se pasa horas y horas delante de su recreativa de Donkey Kong en el garage familiar. Para batir el record la partida ha de ser grabada y enviada a Twin Galaxies, la compañía que contabiliza estos datos de forma oficial. Uno de sus jefes es Walter Day, árbitro de videojuegos.

El mérito de este documental es desarrollar y llevar a buen puerto una idea tan sencilla como original. Seth Gordon graba el día a día de cada uno de los personajes mostrándonos su personalidad, sus logros y su visión sobre la vida, las personas que los rodean, las fricadas que envuelven a este mundillo de los videojuegos clásicos, etc. Y consigue reunir todos los elementos principales de un mítico arcade: un villano poderoso que denosta y menosprecia a su rival, un héroe que aun no ha encontrado su lugar en el mundo, acción a raudales y una historia emotiva de por medio.

El elenco de personajes secundarios es brutal: un árbitro de videojuegos que arbitra partidas en directo(con movimientos físicos para marcar las faltas o trampas cometidas, como si fuera un árbitro de fútbol), friquis de los míticos arcade, una señora de 80 años que sustenta el record en otro arcade clásico...

En la fotografía podéis ver al árbitro de videojuegos mirando un partida de Steve.

"Touch of evil", Orson Welles(1958)

Para estar rodada en 1958, contar con un presupuesto de serie b, con una historia un poco mediocre como base, y unos diálogos tan solo "buenos", "Touch of evil" ("Sed de mal"), es una de las películas de cine negro más modernas de la historia. La obra terminó en manos de Welles casi por accidente. Un Chartlon Heston disconforme exigió que fuese dirigida por el maestro estadounidense o no interpretaría el papel principal, el honesto policía mejicano Vargas. Se ha planteado la duda de quien era realmente el protagonista, ya que el abultado tiempo en escena de Welles como el policía corrupto Quinlan, da lugar a una genial caracterización de un personaje rastrero, xenófobo, marcado por un pasado semioculto y que se tambalea a un lado y a otro de la ley para satisfacer sus propios intereses. Por otro lado, se nota la falta de presupuesto para un Welles que llevaba retirado 10 años, por eso la película recuerda escandalosamente a un estudio de Hollywood. Como amante de la música, creo que todo el mundo debería hacerle un hueco en su colección a la banda sonora de Henry Mancini, un mestizaje soberbio de rock and roll, jazz, pianola y música latina que encaja en la película como esa atmosfera de nocturnidad inseparable del cine negro. Otro factor clave en la película es la fotografía de Russel Metty, de ahí mi elección como imagen de entrada este juego de sombras imposible. Parece que la rejuvenecida y rebelde mano de Welles se combinó con la de Metty exclusivamente para ver nacer a "Touch of evil", que según Cahiers du cinema, es la mejor película de serie b de la historia. ¡Juzguen ustedes mismos!

"La leyenda del tiempo", Isaki Lacuesta(2006)

La leyenda del tiempo (1979) es uno de los discos más laureados de Camarón, dedicado a Federico García Lorca y donde el flamenco explora nuevas formas abriéndose a la fusión. Alrededor de la figura de este maestro, girán la historias de Isra y Makiko, dos personajes opuestos e iguales al mismo tiempo. Isra es un jovén cantaor gitano que no puede cantar porque ha de guardar luto por la muerte de su padre. Makiko es una enfermera de Tokyo que viaja a la isla gaditana de San Fernando para aprender a quejar su voz como la de Camarón. Esta contraposición se une en el sentimiento que expresan con lo que hacen. Ya sea el dolor por la ausencia de la figura paternal, como la imposibilidad de la japonesa por comunicar sus sentimientos ya que no consigue asimilar el cante. Isra y Makiko son dos personajes en busca de un cambio radical en sus vidas y lo expresan delante de su único nexo de unión, un marinero japonés confidente de ambos. Los diálogos entre los personajes principales son intrascendentes, sencillos, pero de una sinceridad desnuda. Son situaciones observadas desde la corta distancia, la suficiente para llegar a captar momentos realmente íntimos.

Tanto el disco como la película son obras paralelas, transcienden los límites de la música y el cine respectivamente. Centrándome en la película, la situo (por intentar guiaros un poco) en la onda dramática de No quarto da Vanda de Pedro Costa (2000) y la documental de Innisfree Jose Luis Guerín (1990), para acercarse a otra obra de este último, En construcción (2001). Hace unos años vi la ópera prima de Lacuesta, Cravan vs Cravan (2002), un documental en el que ya mostraba su singularidad a la hora de realizar cine, pero es en La leyenda del tiempo donde rompe todas las barreras de este género.

Rodada con solo dos cámaras y sin guión fijio, Isaki Lacuesta ha creado una referencia del cine español de nuestra década.

"Stranger than paradise", Jim Jarmusch (1984)

"Es gracioso, vas a un sitio nuevo y todo te parece igual"

Eva es una joven una húngara que llega a los Estados Unidos para instalarse en casa de su primo Willie, un chico de raíces pérdidas, malhumorado y cuyo mayor pasatiempo es apostar a los caballos con su colega Eddie. 3 personas que se dedican a pasar el tiempo; sin ninguna pretensión(en general) más allá de la propia secuencia.

Stranger than paradise es como un filtro de lo mundano. Innumerables planos secuencia de los personajes viendo la televisión, durmiendo o caminando forman la película. Hay quien tacha esta película de anodina por ello, pero no lo veo así. En los 89 minutos que dura la obra, se explora la sensibilidad de unos personajes muy definidos en un mundo frío, desertificado, donde todo lo que hagas parece no tener mayor sentido que el que alberga tu propia conciencia. No os toméis esto como una amenaza a vuestro entretenimiento, todo lo contrario, el desarrollo de los acontecimientos en forma de viaje a lo road movie y la peculiaridad de los personajes os darán lo que buscáis. A pesar de la carencia argumental, Eva será la que le dé un poco de sentido a todo.

Dentro de lo estético, Extraños en el paraíso esta rodada en b/n y la fotografía corre a cargo de Tomy Dicillo. La banda sonora es de Screamin' Jay Hawkins, uno de los personajes más histriónicos del rock y el soul a finales de los 50.

Aquí os dejo un trailer con la divertida escena de la "tv dinner", donde le explica que se llama así porque está hecha para comer viendo la tele, sin preocuparse de limpiar los platos:

Película de muy bajo presupuesto pero crucial en el cine independiente norteamericano de los 80. Cosechó bastantes exitos, siendo ganadora de la Cámara de oro en Cannes en 1984, el Leopardo de Oro en Locarno en el mismo año y el Premio especial del jurado en Sundance en 1985